202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 5)

Volvemos del verano con más consejos de este gran escritor que no para quieto y lanza mensajes de esperanza en las redes sociales: Brian Koppelman. Estos son los siguientes consejos que nos da, ¡Atención!

81. En Hollywood, nadie se levanta por las mañanas preguntándose cómo te puede ayudar. Pero se levantan pensando que desesperadamente necesitan buen material.

82. No hay un 'secreto'. Escribir funciona a base de trabajo duro, persistencia y descubrimiento. El que diga lo contrario es que te está vendiendo algo.

83. Si puedes superar ese maldito mid-point de cualquier proyecto artístico, ya estarás flotando, por lo menos por una temporada, en un mar de inspiración.

84. Aquí te expongo una verdad simple y básica que me recuerdo a mí mismo todos los días: Si escribes una página al día, tendrás tu primer borrador en tres meses y medio, y dos en cincuenta y cinco días más.

85. Una vez has escrito tu primer borrador ya estás en el proceso de escritura, así que lucha por claridad. Aunque tu narrativa suene algo 'opaca' y 'retorcida' en ocasiones, tu prosa ya no debería sufrir por ello. CLARIDAD.

86. La gente se pregunta: '¿Cómo sé cuando mi historia está lista para ser leída por otros?' Bien, esto no es una ciencia exacta. Parte del proceso de escritura es desarrollar ese instinto.

87. Si quieres ser artista, más te vale aprender a decir que NO. No a las tentaciones que te alejan de tu trabajo, a la gente errónea, a tu propio 'yo crítico'.

88. Si sigues sintiendo presión al escribir tu primer borrador, no pienses que es un primer borrador. Piensa que es 'un borrador' a modo de ejercicio, y luego revísalo. Ese será tu primer borrador.

89. Todo lo que quiero decir hoy es: La visión romántica del 'artista brillante, adicto y torturado' es, simplemente, una mentira.

90. Por una semana, contabiliza cuánta televisión ves. La semana siguiente emplea un tercio de ese tiempo en crear algo.

91. ¿Los escritores profesionales suelen sentir que están continuamente dándose cabezazos de pared en pared y que todo lo que escriben es 'inútil'? Por supuesto, pero lo hacemos mientras sentados en nuestro escritorio.

92. Si quieres un modelo de personaje que sea como tu primo, tía, tío, amigo... Hazlo. Ya lo disfrazarás luego, hazles reales para empezar.

93. ¿Y si soy un buen escritor pero detesto lidiar con políticas y burocracias varias? ¿Y si soy un gran nadador pero simplemente no quiero lidiar con el tema del 'agua'?

94. Me estuve torturando a mí mismo por haber pasado el Sábado leyendo todo el día y viendo películas, en vez de escribir. Pero luego recordé: El input es tan importante como el output.

95. No hay una sola actividad creativa que haya probado y no haya recibido reticencia y rechazo de primeras. El truco es ignorar todo eso.

96. El tiempo que te reservas para sentarte y crear es una de las pocas cosas que puedes controlar. Por suerte, este es también el factor más importante para ejecutar y acabar las cosas.

97. Te prometo esto: Si escribes todos los días, en un año, serás mucho mejor escritor de lo que eres ahora.

98. El guión no es una competición, pero alguien ahí fuera no se siente intimidado por las probabilidades, escribir todos los días, y soñar en llegar alto. ¿Puedes ser tú?

99. ¿Debería hacer una escaleta o no? ¿Qué género? (...) La única pregunta que te debes hacer es: ¿Qué puedo hacer hoy para conseguir llegar a ese estado mental para crear?

100. Di la verdad. ¿El talento importa? Por supuesto, pero tengo buenas noticias para ti: El talento va retirando sus velos a lo largo de los años.

BONUS EXTRA
101. Paseando por una librería me di cuenta que todos y cada uno de los autores en las cubiertas tuvieron que la siguiente revelación y tomaron una decisión personal que cambiaría su estilo de vida: Eran escritores. ¿Estás listo para ello?

Muchas gracias por leerme. Podréis deleitar vuestras mentes con las partes 1, 2, 3, 4, 6 y 7  pinchando en los links. Todos los 'Shares' son profundamente apreciados y bienvenidos, sobre todo en Pinterest y Facebook.

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com

http://comfortpit.com/

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202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 4)

No hay consejos que valgan, a pesar de que todo deseo de buena ventura, ayuda, pauta es un bien apreciado y codiciado en el 'Mundo del Contador de Historias', independientemente del campo al que uno se dedique. Por eso aquí os expongo 20 consejos más de Mr. Koppelman. Espero que os inspiren y que induzcan vuestra motivación y la creatividad. ¿Empezamos?

61. Si te sientes ofendido por la reacción de alguien respecto a tu obra, conviértelo en tu combustible, al igual que todo escritor en la historia de la humanidad.

62. Pero... ¿Y si me siento hoy y no tengo absolutamente nada que escribir? Bien, piensa en la última discusión que hayas tenido con alguien y escribe esa escena.

63. Es más fácil lidiar con asuntos si eres capaz de anticiparlos. Así que debes asumir que en algún lugar, hacia la mitad de tu guión más o menos, vas a llegar a un punto en que, realmente, pensarás que es inútil continuar y, ante esta situación, vas a tener que luchar más que nunca.

64. A veces estás atascado porque no sabes qué es lo próximo que se supone que ha de suceder en tu historia. Este es mi truco: Haz este ejercicio, piensa en qué podrían hacer, hipotéticamente hablando, tus personajes tras esa escena y escríbelo aparte.

65. Nadie elige convertirse en escritor, o cualquier otra disciplina artística porque es fácil. Lo haces porque tienes que hacerlo.

66. ¿Crees que escribir es una profesión solitaria? Sí, pero vale la pena por esos momentos en que el sujeto trasciende el espacio tiempo, cuando las horas desaparecen y te sientes conectado al 'TODO'.

67. Entonces, ¿qué es más importante?, ¿la inspiración o la disciplina? Honestamente, necesitarás usar las dos al 100%.

68. La primera vez que obtuve una muy mala crítica por mi trabajo casi me hizo dejarlo todo. Después me di cuenta de que si volvía rápidamente a crear de nuevo, podría sobrevivirla.

69. Si vas a convertirte en un artista, cualquier tipo, tienes que saber ver que es prácticamente imposible obtener éxito y, después, ponerte a trabajar como si supieras, en tu interior, que lo vas a alcanzar.

70. En mi opinión, las 'entregas' y fechas límite fijadas e impuestas por uno mismo son increíblemente útiles porque te impulsan a que sigas adelante. Ahora, asegúrate de que son realistas (o todo se va al garete).

71. No compartas tu borrador con nadie hasta que no puedas pensar en más maneras de arreglarlo, mejorarlo e implementarlo por ti mismo primero.

72. Piensa en el gozo que tu/tus artistas favoritos provocan en tu ser. Ahora imagina como sería si tu trabajo pudiese hacer lo mismo por lo menos por una sola persona... Y manos a la obra, a ejecutarlo.

73. Pero... ¿Cómo sé si no estoy realmente perdiendo mi tiempo con un proyecto? ¿Cómo puedo saber si lo que estoy haciendo es mínimamente bueno? Nadie lo sabe, hazlo igualmente, sigue con ello.

74. Los artistas profesionales no esperan crear piezas de calidad de museo sin hacer borradores de su nuevo proyecto. Lo que quiero decir es que lo único que quieren es ser capaces de rellenar y 'vomitar' eso que tienen dentro en el lienzo.

75. ¿Es posible que no vendas esa novela en que estás trabajando, o ese guión, esa pintura en que estás trabajando?  Sí, oh yeah! ¿No es emocionante que lo estás haciendo igualmente?

76. Tu imaginación es más poderosa que cualquier crítico, agente, o directivo de este mundo.

77. Los mejores jugadores de la NBA no lanzan el balón de la misma manera, todos ellos tienen su estilo y su técnica... Simplemente asegúrate de que metes la bola en el aro por favor.

78. ¿Qué hacer todos los días contigo mismo en tu espacio de trabajo?... Yo escribo mi diario, medito, me pego largos paseos.

79. Si la regla número uno es 'escribe todos los días', la regla número dos es 'toma retos creativos'. Hasta si fallas con estos, siempre te harás más fuerte.

80. La próxima vez que alguien se ría de tus sueño, recuérdales que Paul Haggis escribió Crash y fue rechazado una y otra vez durante cinco años (al igual que miles guionistas de cine y TV en Hollywood vaya).

Muchas gracias por leerme en estos calurosos días de verano. Podréis leer las partes anteriores (1, 2, 3), así como las partes 5, 6 y 7, pinchando en los links correspondientes. Como siempre, los 'Shares' apreciados y bienvenidos, sobre todo en Pinterest y Facebook.

Por otro lado, me disculpo por no haber publicado nada estas dos últimas semanas, lo cierto es que mi calendario está repleto y no he encontrado tiempo, pero os prometo dos posts extra durante las próximas dos semanas.

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com

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202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 3)

Sé que me he centrado más en las lecciones de Koppelman últimamente, pero veo que a los lectores les gusta y quieren saber más, por ello, aquí lanzo, por tercera semana consecutiva, otros 20 consejos de este animal del storytelling. ¡Que los disfrutéis!

41. No conozco a ningún escritor profesional que te diga 'ha sido fácil', vale la pena recordar esto. Es difícil para todos y cada uno de nosotros.

42. Los mejores escritores que conozco se dejan llevar por su curiosidad, y la persiguen hasta que encuentran esa historia que quieren contar.

43. La resistencia es la mejor amiga del escritor. Entrena como un corredor de maratones (o como un boxeador diría yo), llega a hacer un poquito más cada día, tiene que doler (y te vas a meter unas cuantas leches).

44. El fracaso es una parte inmensa en el interior del escritor, en su vida, por ello, deberás redefinir el término, de manera que esas páginas diarias sean tu éxito.

45. Los mejores momentos en mis sesiones de escritura son aquellos que vagamente recuerdo. Es como si hubiesen sido un sueño, pero la única forma de ganar es 'moler' todos los días.

46. Entonces, ¿cuál es el truco para encontrar un agente que me abra camino? - ¿El truco? No dejar que eso te distraiga.

47. Si estás intentando decidir qué escribir y una de esas ideas te asusta porque no sabes qué pensará la gente... Sin duda alguna, escribe esa misma idea.

48. El perfeccionismo puede ser una facultad más que necesaria en la última fase de escritura, pero en los comienzos (primeros borradores y gestación), es un 'cortarrollos', mata ese momentum tan necesario en la creación.

49. Cuando homenajeamos a esos 'risk-takers' que eligen las opciones más arriesgadas, nos referimos a esos que suben montañas y se tiran en coche por un barranco, pero nos olvidamos de los creativos, estos no distan demasiado y tienen el mismo coraje.

50. Consejo para aquellos que están estancados: Para ya de mirar la pantalla del ordenador, apágalo y ponte a escribir en papel o, si lo prefieres, haz grabaciones de voz. En serio, esto es imprescindible.

51. La mayoría de la gente pasa la mayor parte de sus días sintiéndose comprometidos con lo que les rodea. Así que piensa en tu 'escritura' como si fuese un compromiso más de ese día.

52. Cuando digo que escribas sobre eso que te apasiona, es simplemente, porque es más fácil ir a la oficina cuando ese trabajo al que dedicas tantas horas de tu tiempo, realmente, te fascina.

53. No te tiene que gustar eso que escribes todos los días, simplemente tienes que hacer acto de presencia enfrente de tu ordenador (o tu portátil) y escribir. TODOS LOS DÍAS.

54. Cuando te lanzas a un proyecto creativo personal, descubres que los que te rodean se muestran especialmente críticos, recuerda: El problema es suyo, no tuyo.

55. Si únicamente tienes una hora al día para escribir, míralo desde una perspectiva positiva. Al menos tienes una hora, de hecho, esto hará que te concentres mucho más en lo que haces esa hora y dará mayor fruto.

56. ¿Tengo que mudarme a L.A. para ser, formalmente, un guionista profesional? ¿Tengo que ser alto para jugar al baloncesto? Pues no pero mejor ponte a trabajar como un perro para dejar al resto atrás.

57. Cuando digo que no soy presa del perfeccionismo, no quiero decir que hay que bajar los listones de calidad. Quiero decir que no se usen listones como excusa perfecta para no escribir (o no acabar y seguir mareando el trabajo ya hecho sin motivo alguno).

58. Esto, lo subrayes o no, se trata de si te sientes a gusto con ese nivel de incertidumbre, lo cual responderá esa pregunta de oro: Si esta carrera es realmente para ti o no.

59. Recuerda esto, y tatúatelo en el pecho, cerca del corazón: Hay dos borradores, el primero que te escribes para ti, y el segundo que es el que preparas para los demás.

60. Muchos de nosotros tenemos el 'defecto del jugador', ese que se basa en el extremo entusiasmo sobre algo que y vamos a por todo, pero que, al final, todo se deshincha o ese acto nos lleva a la perdición, interponiéndose así en nuestro trabajo. Encuéntralo y enciérralo en un cajón.

Muchas gracias estar ahí una semana más. Para los nuevos, os invito a que leáis las partes 1, 2, 4, 5, 6 y 7  de 202 Consejos de Brian Koppelman. 'Shares' apreciados y bienvenidos.

¡La cuarta entrega llegará bien prontito! Paciencia, que tal y como lo he planificado son muchos posts y no puedo hablar de Mr. Koppelman todo el santo rato :-P

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
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202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 1)

Brian Koppelman es uno de los guionistas y productores de desarrollo más admirados de Hollywood con historias como 'El Ilusionista' y autor de guiones como 'Oceans Thirteen', 'Rounders', nos ilustra con 202 consejos que todo escritor de imágenes o guionista profesional ha de seguir.

A pesar de que puede que te disguste su estilo o el tipo de proyectos de los que ha formado parte, Koppelman es un guionista serio, exitoso, de profesión, de corazón, y hace que sus ideas se conviertan en escenas y que estas escenas formen actos; y que dichos actos conformen películas enteras. Una referencia, un consuelo, un hombre al que escuchar y admirar que no se beneficia económicamente de ello, lo cual, suma puntos también.
Los consejos están sacados de su 'Six Second Writing Lessons' publicados en Vine.

¡COMENZAMOS!

1. Todos los libros de guión son 'caca de toro' (literalmente... Paparruchas, vamos). Ponte a ver películas y lee guiones, deja que se conviertan en tu guía.

2. El consejo 'escribe sobre lo que sabes' funciona, pero es bastante limitado. Escribe sobre lo que te fascina, sobre eso en lo que no puedes dejar de pensar.

3. Los que se hacen llamar 'gurúes del guión' son simplemente farsantes, fíjate bien qué guiones han escrito exactamente y no les escuches si no sabes nada de sus 'películas'.

4. Cuando ví lo que se me venía encima, en un momento de flaqueza y confusión, conseguí encontrar el valor para decirle a mi padre que quería ser escritor. Él me miró fijamente a los ojos y, tras una pausa, dijo: "¿Quieres escribir? Pues escribe." El mejor consejo que me han dado en mi vida.

5. Calcula menos, no intentes jugar con 'La Industria', con el mercado y 'lo que se lleva'. Simplemente escribe sobre lo que tú quieras escribir... Y ten listas litronas de café.

6. De todas las normas que se suelen escribir sobre el oficio del escritor, hay una que es únicamente cierta: Escribe todos los días.

7. Hay una gran industria de embaucadores que dicen que la escritura de guión se aprende en ciertos cursos y clases. Ni se te ocurra creerles.

8. El momento en que tu guión deja de estar en tus manos se convierte en una mercancía, así que mientras lo tengas en tu posesión trátalo como una obra de arte.

9. En vez de leer libros sobre escritura de guión, lee sobre tú tema, el campo sobre el que tienes que investigar, ese que te motiva y fascina, que despierta interés en tu ser.

10. Con 'los gurúes' de guión todo va sobre los 'cómos', ¿cómo escribo esto? Pero con escritores, todo debe versar sobre los porqués. ¿Por qué necesito escribir sobre esto ahora mismo?

11. No necesitas el permiso de ningún experto para escribir tu historia, a tu manera. (Repítelo a ti mismo).

12. Todo escritor debería leer 'De qué hablo cuando hablo de correr' de Murakami Haruki. Un gran libro sobre forma física, pero es un mejor libro sobre la profesión y la disciplina del escritor.

13. Olvídate de agentes, concursos, editores, concéntrate en lo que sí puedes controlar: palabras, páginas y lo que hay tras estas.

14. El primer guión que escribí con mi compañero fue rechazado agencia tras agencia y calificado de 'invendible'. 

Ese guión fue 'Rounders'.

15. Los hermanos Coen, Charlie Caufman, etc. etc. nunca intentaban adivinar 'lo que Hollywood quería producir', siempre escribieron plasmando sus obsesiones, y así lo debes hacer tú también.

16. Permíteme que utilice menos palabras que esos libros tan cotizados para explicarte de qué va esto de la estructura en cinco actos: Principio, medio y final. Así que para de preocuparte y comienza por escribir. ¡YA!

17. Cuando necesito un chute de inspiración me pongo a ver películas como 'Amelie' o 'Y tu mama también', películas que se saltaron los patrones y muchas reglas pero que, a pesar de ello, engatusaron mi corazón.

18. La inseguridad y la expresión personal van de la mano. Bájale el volúmen a esas dudas durante dos horas al día... Verás como tus guiones acabarán escritos y cumplirás tus metas.

19. Mira, no pretendo subestimar la 'forma' y la 'estructura'. Importan, y mucho, pero es mucho más importante establecer ese vínculo emocional con el lector, eso es lo que te hará destacar sobre el resto.

20. Cuando estoy atascado en un primer borrador, me recuerdo a mí mismo: 'Nadie llegará a ver esto hasta que yo diga que pueden'; lo cual me da la fortaleza final para acabarlo.

Esta es la primera entrega de los 202 consejos para guionistas por Brian Koppelman. 
Si os ha gustado todo like y share es bienvenido.  
Muchas gracias, ¡la semana que viene MÁS!
Si te ha gustado, también podrás disfrutar de las partes 2, 3, 4, 5, 6 y 7 haciendo click en los links correspondientes.

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com

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LA PROPORCIÓN ÁUREA: DESARROLLANDO PERSONAJES PARA TU SERIE

Desarrollar una serie es algo complicado ya de por sí, pero lo más difícil suele ser el crear los arcos de personajes. Tal vez tengamos que observar en eso que nos rodea, lo que realmente funciona y se mueve a nuestro alrededor, lo bello, y aprender de ello antes de sentarnos a escribir.

El escritor ha de tejer interminables telas de araña... Ánimo con ello. 

Simplemente, no es tan sencillo escribir una serie. Hay muchísimos aspectos a tener en cuenta y queremos contar con una longitud adecuada que muestre esos universos al receptor, esos conflictos en nuestras cabezas y nuestros PERSONAJES. Lo mejor es que no sabemos tanto de este misterio nuestro, el humano, el misterio del desarrollo, aparte de lo típico: Nacer, vivir, morir; planificar, hacer, terminar... Todo lo dividimos en triadas en nuestra cabeza y eso, a veces, no funciona. ¿Por qué? No lo sabemos, pero no se asemeja por completo a la realidad, es un reduccionismo brutal que se deja muchos detalles por el camino.

Verdaderamente, el 'plasmar fielmente transformaciones de personajes' es lo más complicado, de hecho, normalmente nos pasamos de complicaciones y llegamos a dimensiones que llegan a ser hasta irracionales; o todo lo contrario, ciertos personajes de nuestro proyecto (o todos) se mantienen en una meseta inalterable. En otras ocasiones ocurre algo mucho peor: Las transformaciones del protagonista y sus 'secuaces' se desarrollan demasiado rápido, pues la prevalencia está en el plot o no hemos plasmado bien los puntos o pasos que les han llevado a ese cambio... Ahora, ahora llegaremos al punto de la proporción áurea, no os preocupéis, que todo tiene su propósito.

Pues no es que todo tenga que cambiar, ciertamente podemos aguantar a personajes como Dr. House (M.D), Sherlock, los traumatizados agentes de CSI (y similares), Friends, Castle (...) por un cierto tiempo, hasta puede que disfrutemos de ellos. De hecho esto es muy aceptable, pues tienen un fin si la historia es puramente 'procedural' o 'serial de procesos' de investigación. ¿Por qué? Pues, porque lo que nos importa es el conflicto de la semana, el puzzle y cómo reaccionan los personajes de ese universo (del que somos ajenos) para resolverlo. Nos importa quién es el malo del día y cómo lo saben, si le cogerán, o si rescatarán a alguien, junto a UNA POTENCIAL RELACIÓN AMOROSA (o amor odio entre compañeros de trabajo). Si lo pensáis, siempre es así, un 2+2 y nos dejan con miel en los labios, una fórmula que no suele implicar necesariamente ningún cambio, de hecho, el desarrollo de personajes suele pasar a un segundo plano. Pues no, ¡hay que marcar arcos de transformación en personajes!

De otra forma, el espectador simplemente se sienta en su sofá y 'visita' a su viejo amigo o ídolo, aquél que tiene una forma de hablar que le gusta, que toma el mismo tipo de decisiones normalmente, ese amigo de toda la vida que nunca cambia.  Nada malo en ello, hacer un personaje que NO CAMBIE Y QUE ENAMORE A ALGUIEN tiene su dificultad y es admirable, ya me gustaría a mí tener más citas.

En definitiva: Se busca un remanente, los mismos personajes; y algo que cambia, que son las circunstancias.

Con esto no quiero decir que los procedurals pequen de simplistas por tener la misma estructura y patrones en las acciones una y otra vez, hay magníficos procedurals que no se basan únicamente en el patrón y 'el caso del día' 24/7 y que llegan a ser 'una obra sin igual y memorable', por ejemplo Dr. Who, Mad Men, A Dos Metros Bajo Tierra o Newsroom (y no siguen el formato a 'pies juntillas', por eso funcionan, pero hay pocas excepciones más). No obstante, siempre recomiendo que, si se desarrolla un procedural, se idee en sus orígenes como un híbrido, y se haga mayor incapié en los pasados y las relaciones entre personajes para que no se haga 'repetitivo', además de incorporar otros elementos para ofrecer  mayor profundidad al asunto.

Así, hago especial incapié en este tipo de series porque son las más producidas, las que utilizan la misma fórmula todo el rato (mirar el link) y, bien ejecutadas con el capital y equipo necesario, se pueden fabricar como churros... Pero por eso mismo es arriesgado escribirlas, pues, como he dicho, mucha gente lo hace y los capítulos suelen volverse ciclos redondos en que siempre, esencialmente, ocurre lo mismo una y otra vez, especialmente tras las primeras dos temporadas.

Sí, hay que huir de este error que es bastante común. Ese realizado por equipos de escritores asalariados y rotatorios para no caer en las redes de la rutina. La misión: Hacer que estas historias desequilibradas por argumentos acusados vayan en un crescendo desorbitado, hasta llegar a complicarse tanto que suelen pasar barreras insospechadas en que ya no hay suspensión de credibilidad alguna. ¿No me crees? Te diré dos palabras: Expediente X (una de mis series favoritas, porque soy muy frikie y la tengo cariño, y eso que aquí los personajes cambian 'algo', ha durado tanto que mi cerebro no lo concibe, sera la 'religión X-Files' esa).

Este tipo de 'procedural serials con peso en la acción' no suele funcionar más allá de un par de temporadas (excepcionando CSI, hay mucho loco infeliz por ahí suelto). En general, al final, todo se vuelve común, trivial, predecible, a no ser que te apasione el tema que tratan, o que los actores, el puzzle o la voz del show 'drogue al espectador'. En ese caso, desde luego, tienes en tus manos un money-maker... Pero no suele funcionar y, si lo hace, no por mucho tiempo y espero que tengas suerte.

Por otra parte tenemos el segundo error, aquel en que podemos tener a personajes que cambian tanto y tan pronto o tantas veces a raíz de esos conflictos a los que se enfrentan, que no entendemos bien lo que ocurre, pues los cambios son procesos, no algo que vaya ocurriendo constantemente de forma bipolar, como reacciones químicas de partículas expuestas a diferentes elementos o situaciones. Esto también suele pasar en los procedurals, aunque ya es más común en seriales continuos, largos viajes, miniseries y dramáticos, en que equipos de guionistas piensan qué más hacer para que la serie siga a flote, Mejor solución: Construye una montaña rusa.

La última, la que más detesto, otro de los errores más comunes, cuando un personaje escoge la llamada a la aventura y cambia, radicalmente, en un capítulo o reacciona de una forma que no concuerda con la presentación del mismo, por lo menos de una manera tan breve. Además, normalmente estos cambios son iniciales, luego he podido observar que se suele establecer un largo estancamiento preparado para otro abrupto cambio al final.

Tal vez en este caso está funcionando gracias a las amorosas escenas de cama, esas de las que amas de casa y otras mujeres con el corazón roto o lleno de sueños no pueden despegar la vista. Ciertamente, los capítulos se ven más de una vez.

A esto lo llamo yo 'hacer historias con calzador', forzar al personaje a hacer o decir algo que dé un giro decisivo y muestre un desarrollo abrupto como consecuencia. Ejemplos que suelo enumerar a curiosos: Outlander, Daredevil, Sleepy Hollow, Orphan Black, Juego de Tronos (bastantes personajes, no sé en los libros), algunas temporadas de Breaking Bad (aunque lo 'aceptamos' por el desarrollo de Walter en las dos primeras temporadas, Jessie es otro caso aparte), etc. (...) He de comentar que, en muchos casos, no lo observamos en el desarrollo de toda la serie, es bastante común que esto comience a pasar tras la segunda o tercera temporada.

Como consecuencia, nos encontramos con que hay innumerables ocasiones en que 'el efecto calzador' ocurre con personajes de peso en la serie, aunque algunas se salvan y llegan a pegar fuerte en el mercado por su concepto, el universo creado, los ganchos y el contraste dramático; pero seamos realistas, estarían mucho más 'logrados' si no tuviesen esos momentos de cambios abruptos que nos hacen mirar al cielo y preguntarnos por qué leches los estamos viendo, o por qué no mejor saltarnos todas las temporadas e irnos ya a la última directamente.

¿Sigues ahí? No te podía exponer mi hipótesis así en frío y lo bueno se hace esperar. Pues bien, no sé tú, pero yo quiero llegar a realizar algún día algo como Mad Men, quiero escribir largos formatos bien construidos que, no solo hagan soñar, sino que también inspiren realidad a la gente y que 'respiren' por si mismos. Y por todos esos motivos que me irritan (y más), quiero exponer mi truco, mi técnica que trato de poner en práctica día día a la hora de desarrollar historias o hacer ejercicios de escritura. Y dice así:

"Esto va de ritmos y de exposición al elaborar historias, las cuales son, 

realmente, procesos orgánicos, como la vida misma. 

Hay que buscar la belleza y la coherencia a la hora 

de plasmar esa realidad. Mi regla de oro es: 

'La Proporción Áurea para la Escritura'."

El universo funciona así, la naturaleza funciona así, las fisionomía de todo ser viviente se agrupa así, los campos magnéticos y las sinapsis de nuestro cerebro mandan 'transmisiones' que circulan... ASÍ. Entonces, no entiendo por qué negarlo, por qué nadie reconoce que en las buenas historias SÍ PASA ESTO. Que hay una forma más objetiva de medir la realidad. Tal vez eso sea lo que impulsa a que algo siga hacia delante, ¿no creéis?

¿Cómo aplicar la 'ley áurea' a la escritura? Por supuesto, la hipótesis implica el entonado instinto del creador. Yo me lo imagino como un comienzo desde el punto central, en que el personaje más principal (por así decirlo, ya que en series actuales suele haber muchos más y a veces hay confusión); está en el centro y el resto de líneas rectas que emanan del punto primario son el resto de personajes.

Hasta ahí bien, ahora hay que relacionar a estos individuos entre si, por lo que elegiremos patrones y líneas que unan en diferentes puntos a los personajes. Las líneas serán la acción y determinarán la forma final de la espiral, que siempre debería ser la misma, esa que lleva el número de oro grabado en sus genes.

Esta espiral imaginaria resultante será el desarrollo de la totalidad de la serie, la esencia de la historia y temas, de los personajes con todos sus cambios. En mi visión, toda esencia armónica está ligada a esa espiral áurea en todo lo que nos rodea, así que, ¿por qué no en la narrativa también? ¿Por qué tenemos que pensar siempre en triadas que son tan sólo términos arbitrarios, ya por el mero hecho de darles nombre y valor para encajarlo en un proceso unidireccional? ¿Por qué nos conformamos con reduccionismos de la realidad?

A pesar de sonar muy metafísico, hay que materializar esto en algo físico (valga la redundancia); y lo cierto es que no hay que escribir todo o hacer esquemas con la sección áurea (aunque es recomendable), tan sólo has de tener este esquema en la cabeza a la hora de escribir las bios, los cambios en relaciones y el escaletado de la historia. Pensar si esta línea es coherente con el patrón de la belleza, al que tenemos de referencia. ¿Qué líneas sigue tu historia?, ¿a qué te suena?, ¿a qué alude? Adoro las preguntas...

Hay que encontrar esa armonía entre partes que se dividen en otras exactamente simétricas y la suma de las dos hacen otra, que por la misma regla de tres harán otra mayor con la misma proporción, y así sucesivamente. Llegar a ese lugar en el que tanto el pasado, como el presente y el futuro, están a la misma altura, en que se pueden visualizar todos al mismo tiempo y son coherentes entre sí.

Esto no es un truco, o un método cerrado, o de crear todas las series por el mismo patrón 2+2. De hecho, no sigáis patrones para crear series, si caéis ahí, que sea accidentalmente, que no sea porque queréis desarrollar una serie con el formato de X. Una vez más, lo podéis hacer, pero seguro que no llama tanto la atención y carece de ese alma que conduce cada historia, que es única.

Cuando menciono la percepción áurea en la escritura, me refiero a algo intuitivo, a una marca de agua en nuestra mente que nos hará notar si nos pasamos de cambios en el tiempo estimado cuando estemos creando.

Es un sentido arácnido que nos hablará si estamos acabando con un círculo cerrado donde no hay salida u otro lugar al que ir y, como consecuencia, pasaremos abruptamente a otro tema diferente olvidando los pasos de nuestros protagonistas; o si terminaremos con formas asimétricas. Yo opto por una preciosa concha de caracol que puede continuar y continuar, sin siquiera mostrar un final, porque no sabemos si lo hay...

Cierto es que todo tiene un principio, medio y final que se traduce a otro principio, mas eso se aplica al hablar en términos generales sobre algo. En realidad, cuando trabajamos de lo general a lo particular y lo traducimos en detalles, cuando nos sumergimos y sabemos más sobre algo, no siempre encajan las triadas lineales no abarcan todo lo que que queremos contar o cómo queremos contarlo.

Por esto he decidido escribir sobre mi idea de creación, por expresar la importancia de las proporciones áureas, pues la vida es un proceso y hay que intentar ser 'fiel a los mecanismos de cómo funcionan las cosas'. Los cambios son un proceso exponencial, son las curvas que van formando el todo, y cuando se ha cambiado el objetivo, este cambia porque se ha de pasar a otra fase, o comienza el ciclo de la misma fase otra vez (depende de lo que se quiera contar); y así sucesivamente.

Debemos intentar plasmar esta ley de oro en el desarrollo de nuestros personajes que van de la mano de la acción en la serie, para que así esta respire, para que se convierta en un retrato, en una obra de arte de la naturaleza humana.

Puedes hacerme caso, o pensar que esto son paparruchas baratas. Pero pruébalo, lo que sí es cierto es que no te equivocarás si buscas las proporciones áureas en todo proceso creativo y no tienes nada que perder por intentarlo. Mi consejo para tu serie es pensar en un principio, únicamente, y de ahí comenzar a tejer la tela de araña, lanzándote, con cabeza, a la incertidumbre más aterradora.


Espero que os haya interesado el artículo. ¡Feliz semana a todos!

**Esta hipótesis de la Escritura Áurea es una idea 

en la que llevo trabajando ya un tiempo y continúo en ello. 

Te rogaría que si la utilizaras en las aulas, por lo menos, dieses mi nombre.

Muchas gracias.

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