202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 3)

Sé que me he centrado más en las lecciones de Koppelman últimamente, pero veo que a los lectores les gusta y quieren saber más, por ello, aquí lanzo, por tercera semana consecutiva, otros 20 consejos de este animal del storytelling. ¡Que los disfrutéis!

41. No conozco a ningún escritor profesional que te diga 'ha sido fácil', vale la pena recordar esto. Es difícil para todos y cada uno de nosotros.

42. Los mejores escritores que conozco se dejan llevar por su curiosidad, y la persiguen hasta que encuentran esa historia que quieren contar.

43. La resistencia es la mejor amiga del escritor. Entrena como un corredor de maratones (o como un boxeador diría yo), llega a hacer un poquito más cada día, tiene que doler (y te vas a meter unas cuantas leches).

44. El fracaso es una parte inmensa en el interior del escritor, en su vida, por ello, deberás redefinir el término, de manera que esas páginas diarias sean tu éxito.

45. Los mejores momentos en mis sesiones de escritura son aquellos que vagamente recuerdo. Es como si hubiesen sido un sueño, pero la única forma de ganar es 'moler' todos los días.

46. Entonces, ¿cuál es el truco para encontrar un agente que me abra camino? - ¿El truco? No dejar que eso te distraiga.

47. Si estás intentando decidir qué escribir y una de esas ideas te asusta porque no sabes qué pensará la gente... Sin duda alguna, escribe esa misma idea.

48. El perfeccionismo puede ser una facultad más que necesaria en la última fase de escritura, pero en los comienzos (primeros borradores y gestación), es un 'cortarrollos', mata ese momentum tan necesario en la creación.

49. Cuando homenajeamos a esos 'risk-takers' que eligen las opciones más arriesgadas, nos referimos a esos que suben montañas y se tiran en coche por un barranco, pero nos olvidamos de los creativos, estos no distan demasiado y tienen el mismo coraje.

50. Consejo para aquellos que están estancados: Para ya de mirar la pantalla del ordenador, apágalo y ponte a escribir en papel o, si lo prefieres, haz grabaciones de voz. En serio, esto es imprescindible.

51. La mayoría de la gente pasa la mayor parte de sus días sintiéndose comprometidos con lo que les rodea. Así que piensa en tu 'escritura' como si fuese un compromiso más de ese día.

52. Cuando digo que escribas sobre eso que te apasiona, es simplemente, porque es más fácil ir a la oficina cuando ese trabajo al que dedicas tantas horas de tu tiempo, realmente, te fascina.

53. No te tiene que gustar eso que escribes todos los días, simplemente tienes que hacer acto de presencia enfrente de tu ordenador (o tu portátil) y escribir. TODOS LOS DÍAS.

54. Cuando te lanzas a un proyecto creativo personal, descubres que los que te rodean se muestran especialmente críticos, recuerda: El problema es suyo, no tuyo.

55. Si únicamente tienes una hora al día para escribir, míralo desde una perspectiva positiva. Al menos tienes una hora, de hecho, esto hará que te concentres mucho más en lo que haces esa hora y dará mayor fruto.

56. ¿Tengo que mudarme a L.A. para ser, formalmente, un guionista profesional? ¿Tengo que ser alto para jugar al baloncesto? Pues no pero mejor ponte a trabajar como un perro para dejar al resto atrás.

57. Cuando digo que no soy presa del perfeccionismo, no quiero decir que hay que bajar los listones de calidad. Quiero decir que no se usen listones como excusa perfecta para no escribir (o no acabar y seguir mareando el trabajo ya hecho sin motivo alguno).

58. Esto, lo subrayes o no, se trata de si te sientes a gusto con ese nivel de incertidumbre, lo cual responderá esa pregunta de oro: Si esta carrera es realmente para ti o no.

59. Recuerda esto, y tatúatelo en el pecho, cerca del corazón: Hay dos borradores, el primero que te escribes para ti, y el segundo que es el que preparas para los demás.

60. Muchos de nosotros tenemos el 'defecto del jugador', ese que se basa en el extremo entusiasmo sobre algo que y vamos a por todo, pero que, al final, todo se deshincha o ese acto nos lleva a la perdición, interponiéndose así en nuestro trabajo. Encuéntralo y enciérralo en un cajón.

Muchas gracias estar ahí una semana más. Para los nuevos, os invito a que leáis las partes 1, 2, 4, 5, 6 y 7  de 202 Consejos de Brian Koppelman. 'Shares' apreciados y bienvenidos.

¡La cuarta entrega llegará bien prontito! Paciencia, que tal y como lo he planificado son muchos posts y no puedo hablar de Mr. Koppelman todo el santo rato :-P

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/

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202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 2)

Seguimos con el listado de consejos de Brian, esta vez hace especial hincapié la protección de tu idea y de tu tiempo de escritura. ¿Os atrevéis a leer más?

Siguientes 20 consejos de Brian Koppelman: 

21. No te puedo enseñar a escribir buen diálogo o a construir un personaje. Ningún experto puede. Has de amar la escritura hasta tal punto que estés dispuesto a descubrirlo por ti mismo.

22. Toma nota: Sea cual sea tu película favorita, el creador de esta se sintió profundamente perdido en algún punto del proceso.

23. Si no puedes progresar más en tu guión hoy, escribe un ensayo, un ejercicio, desecha tu historia cuantos días quieras pero genera páginas todos los días.

24. Cuantos más beats y reglas estés aplicando y tratando de recordar, peor será tu situación para crear una fluidez de trabajo en ese proyecto específico. Simplemente escribe...

25. Siempre que escribas hazlo para y por ti mismo, pero no seas demasiado pretencioso o indulgente, ten una imagen de una audiencia más o menos determinada en tu cerebro y escribe por ellos también.

26. Intenta escribir tu primer borrador a toda pastilla para que las dudas no te devoren, no dejes que se anclen en ti.

27. Una apreciación personal: He notado que los escritores primerizos escriben personajes más estúpidos de lo que son en su gestación, los pros escriben a personajes que parecen más listos de lo que son.

28. El aspecto 'realista' representado por algo llamado amistad y que informa al escritor sobre las verdaderas posibilidades de éxito, sobre la improbabilidad de conseguir tener ese guión relatado en imágenes. Apaga ese interruptor, olvídate, no necesitas eso.

29. No te pongas tanta presión al la hora de retratar personajes 'que gusten', 'vendibles', como lo quieras llamar. Deja que el desarrollo de la escritura haga su papel y limítate a escribir personajes fascinantes y que nos importen.

30. Ya sabes como contar tu historia. Piensa una que funcionó, que te hizo comprar una entrada o llevar una cita, e intenta deducir los porqués. 

31. No hay ejecutivo en Hollywood que sepa qué audiencias querrán ver qué el año que viene. Así que escribe eso que te gustaría ver a ti.

32. Los escritores buscan razones para no escribir, así que haz una lista con todas las razones que te inventas o que 'realmente crees que tienen peso'. Vale muy bien, ahora coloca esa lista al lado del ordenador. Estará ahí todos los días.

33. Si te encantan los blockbusters o películas palomiteras, deberías tratar de escribirlas; pero si amas o te sientes más identificado con películas modestas o independientes, escríbelas. (Escribe lo que quieras ver aunque te hayan enseñado lo contrario vaya.)

34. Hey, ¿no es cierto que estás llenando de expectativas irreales las mentes de esas audiencias? Eso espero. Por eso el escritor ha de tener siempre expectativas irreales.

35. Proteje tu 'tiempo de escritura', haz rituales cada vez que te pongas. Puedes ir a dar un largo paseo antes de sentarte, luego preparar 'el café', 'tu café', quemar un incienso que te guste, hay gente que utiliza gongs o campanas y se sienta en su silla favorita. Creatividad, lo que te hace ser tú, a modo de: ahora, tras hacer 'esto', me siento y, sistemáticamente, tengo mi momento de escritura.

36. Escribir un primer borrador es una de las cosas más sensibles que se pueden hacer. No te sabotees a ti mismo hablando de ello con amistades o gente que no comparte tus sueños o con la actitud errónea.

37. Fui un escritor bloqueado hasta que cumplí los 30 años, así que sé lo doloroso que es, también sé lo necesario que es el hecho de pasar por ello y luchar contra ello.

38. Hay días que, simplemente, no te sientes creativo. Está bien, no pasa nada, escribe igualmente sobre otra cosa o algo, por lo menos estarás construyendo ese 'momentum', armándote para cuando la marea suba.

39. Si eres capaz de conseguir acabar un guión,de seguir hasta el final, ya has llegado a alcanzar lo que el 99% de la gente con ideas para películas no hace. Así que date palmaditas en las espalda (eso lo digo yo).

40. En mi opinión, nada funciona mejor para meterte en ese 'momentum' interior, en ese estado mental creativo, que escuchar tus piezas de música favoritas. Realmente funciona y es lo más rápido y eficaz, aunque claro, esto es subjetivo.

Muchas gracias por leer la segunda parte de los 202 Consejos de Brian Koppelman. ¡Si queréis podéis leer la primera entrega! Y por supuesto las posteriores partes 3, 4, 5, 6 y 7. Please Share.

¡Hasta la semana que viene!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/

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202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 1)

Brian Koppelman es uno de los guionistas y productores de desarrollo más admirados de Hollywood con historias como 'El Ilusionista' y autor de guiones como 'Oceans Thirteen', 'Rounders', nos ilustra con 202 consejos que todo escritor de imágenes o guionista profesional ha de seguir.

A pesar de que puede que te disguste su estilo o el tipo de proyectos de los que ha formado parte, Koppelman es un guionista serio, exitoso, de profesión, de corazón, y hace que sus ideas se conviertan en escenas y que estas escenas formen actos; y que dichos actos conformen películas enteras. Una referencia, un consuelo, un hombre al que escuchar y admirar que no se beneficia económicamente de ello, lo cual, suma puntos también.
Los consejos están sacados de su 'Six Second Writing Lessons' publicados en Vine.

¡COMENZAMOS!

1. Todos los libros de guión son 'caca de toro' (literalmente... Paparruchas, vamos). Ponte a ver películas y lee guiones, deja que se conviertan en tu guía.

2. El consejo 'escribe sobre lo que sabes' funciona, pero es bastante limitado. Escribe sobre lo que te fascina, sobre eso en lo que no puedes dejar de pensar.

3. Los que se hacen llamar 'gurúes del guión' son simplemente farsantes, fíjate bien qué guiones han escrito exactamente y no les escuches si no sabes nada de sus 'películas'.

4. Cuando ví lo que se me venía encima, en un momento de flaqueza y confusión, conseguí encontrar el valor para decirle a mi padre que quería ser escritor. Él me miró fijamente a los ojos y, tras una pausa, dijo: "¿Quieres escribir? Pues escribe." El mejor consejo que me han dado en mi vida.

5. Calcula menos, no intentes jugar con 'La Industria', con el mercado y 'lo que se lleva'. Simplemente escribe sobre lo que tú quieras escribir... Y ten listas litronas de café.

6. De todas las normas que se suelen escribir sobre el oficio del escritor, hay una que es únicamente cierta: Escribe todos los días.

7. Hay una gran industria de embaucadores que dicen que la escritura de guión se aprende en ciertos cursos y clases. Ni se te ocurra creerles.

8. El momento en que tu guión deja de estar en tus manos se convierte en una mercancía, así que mientras lo tengas en tu posesión trátalo como una obra de arte.

9. En vez de leer libros sobre escritura de guión, lee sobre tú tema, el campo sobre el que tienes que investigar, ese que te motiva y fascina, que despierta interés en tu ser.

10. Con 'los gurúes' de guión todo va sobre los 'cómos', ¿cómo escribo esto? Pero con escritores, todo debe versar sobre los porqués. ¿Por qué necesito escribir sobre esto ahora mismo?

11. No necesitas el permiso de ningún experto para escribir tu historia, a tu manera. (Repítelo a ti mismo).

12. Todo escritor debería leer 'De qué hablo cuando hablo de correr' de Murakami Haruki. Un gran libro sobre forma física, pero es un mejor libro sobre la profesión y la disciplina del escritor.

13. Olvídate de agentes, concursos, editores, concéntrate en lo que sí puedes controlar: palabras, páginas y lo que hay tras estas.

14. El primer guión que escribí con mi compañero fue rechazado agencia tras agencia y calificado de 'invendible'. 

Ese guión fue 'Rounders'.

15. Los hermanos Coen, Charlie Caufman, etc. etc. nunca intentaban adivinar 'lo que Hollywood quería producir', siempre escribieron plasmando sus obsesiones, y así lo debes hacer tú también.

16. Permíteme que utilice menos palabras que esos libros tan cotizados para explicarte de qué va esto de la estructura en cinco actos: Principio, medio y final. Así que para de preocuparte y comienza por escribir. ¡YA!

17. Cuando necesito un chute de inspiración me pongo a ver películas como 'Amelie' o 'Y tu mama también', películas que se saltaron los patrones y muchas reglas pero que, a pesar de ello, engatusaron mi corazón.

18. La inseguridad y la expresión personal van de la mano. Bájale el volúmen a esas dudas durante dos horas al día... Verás como tus guiones acabarán escritos y cumplirás tus metas.

19. Mira, no pretendo subestimar la 'forma' y la 'estructura'. Importan, y mucho, pero es mucho más importante establecer ese vínculo emocional con el lector, eso es lo que te hará destacar sobre el resto.

20. Cuando estoy atascado en un primer borrador, me recuerdo a mí mismo: 'Nadie llegará a ver esto hasta que yo diga que pueden'; lo cual me da la fortaleza final para acabarlo.

Esta es la primera entrega de los 202 consejos para guionistas por Brian Koppelman. 
Si os ha gustado todo like y share es bienvenido.  
Muchas gracias, ¡la semana que viene MÁS!
Si te ha gustado, también podrás disfrutar de las partes 2, 3, 4, 5, 6 y 7 haciendo click en los links correspondientes.

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 

(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com

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LA PROPORCIÓN ÁUREA: DESARROLLANDO PERSONAJES PARA TU SERIE

Desarrollar una serie es algo complicado ya de por sí, pero lo más difícil suele ser el crear los arcos de personajes. Tal vez tengamos que observar en eso que nos rodea, lo que realmente funciona y se mueve a nuestro alrededor, lo bello, y aprender de ello antes de sentarnos a escribir.

El escritor ha de tejer interminables telas de araña... Ánimo con ello. 

Simplemente, no es tan sencillo escribir una serie. Hay muchísimos aspectos a tener en cuenta y queremos contar con una longitud adecuada que muestre esos universos al receptor, esos conflictos en nuestras cabezas y nuestros PERSONAJES. Lo mejor es que no sabemos tanto de este misterio nuestro, el humano, el misterio del desarrollo, aparte de lo típico: Nacer, vivir, morir; planificar, hacer, terminar... Todo lo dividimos en triadas en nuestra cabeza y eso, a veces, no funciona. ¿Por qué? No lo sabemos, pero no se asemeja por completo a la realidad, es un reduccionismo brutal que se deja muchos detalles por el camino.

Verdaderamente, el 'plasmar fielmente transformaciones de personajes' es lo más complicado, de hecho, normalmente nos pasamos de complicaciones y llegamos a dimensiones que llegan a ser hasta irracionales; o todo lo contrario, ciertos personajes de nuestro proyecto (o todos) se mantienen en una meseta inalterable. En otras ocasiones ocurre algo mucho peor: Las transformaciones del protagonista y sus 'secuaces' se desarrollan demasiado rápido, pues la prevalencia está en el plot o no hemos plasmado bien los puntos o pasos que les han llevado a ese cambio... Ahora, ahora llegaremos al punto de la proporción áurea, no os preocupéis, que todo tiene su propósito.

Pues no es que todo tenga que cambiar, ciertamente podemos aguantar a personajes como Dr. House (M.D), Sherlock, los traumatizados agentes de CSI (y similares), Friends, Castle (...) por un cierto tiempo, hasta puede que disfrutemos de ellos. De hecho esto es muy aceptable, pues tienen un fin si la historia es puramente 'procedural' o 'serial de procesos' de investigación. ¿Por qué? Pues, porque lo que nos importa es el conflicto de la semana, el puzzle y cómo reaccionan los personajes de ese universo (del que somos ajenos) para resolverlo. Nos importa quién es el malo del día y cómo lo saben, si le cogerán, o si rescatarán a alguien, junto a UNA POTENCIAL RELACIÓN AMOROSA (o amor odio entre compañeros de trabajo). Si lo pensáis, siempre es así, un 2+2 y nos dejan con miel en los labios, una fórmula que no suele implicar necesariamente ningún cambio, de hecho, el desarrollo de personajes suele pasar a un segundo plano. Pues no, ¡hay que marcar arcos de transformación en personajes!

De otra forma, el espectador simplemente se sienta en su sofá y 'visita' a su viejo amigo o ídolo, aquél que tiene una forma de hablar que le gusta, que toma el mismo tipo de decisiones normalmente, ese amigo de toda la vida que nunca cambia.  Nada malo en ello, hacer un personaje que NO CAMBIE Y QUE ENAMORE A ALGUIEN tiene su dificultad y es admirable, ya me gustaría a mí tener más citas.

En definitiva: Se busca un remanente, los mismos personajes; y algo que cambia, que son las circunstancias.

Con esto no quiero decir que los procedurals pequen de simplistas por tener la misma estructura y patrones en las acciones una y otra vez, hay magníficos procedurals que no se basan únicamente en el patrón y 'el caso del día' 24/7 y que llegan a ser 'una obra sin igual y memorable', por ejemplo Dr. Who, Mad Men, A Dos Metros Bajo Tierra o Newsroom (y no siguen el formato a 'pies juntillas', por eso funcionan, pero hay pocas excepciones más). No obstante, siempre recomiendo que, si se desarrolla un procedural, se idee en sus orígenes como un híbrido, y se haga mayor incapié en los pasados y las relaciones entre personajes para que no se haga 'repetitivo', además de incorporar otros elementos para ofrecer  mayor profundidad al asunto.

Así, hago especial incapié en este tipo de series porque son las más producidas, las que utilizan la misma fórmula todo el rato (mirar el link) y, bien ejecutadas con el capital y equipo necesario, se pueden fabricar como churros... Pero por eso mismo es arriesgado escribirlas, pues, como he dicho, mucha gente lo hace y los capítulos suelen volverse ciclos redondos en que siempre, esencialmente, ocurre lo mismo una y otra vez, especialmente tras las primeras dos temporadas.

Sí, hay que huir de este error que es bastante común. Ese realizado por equipos de escritores asalariados y rotatorios para no caer en las redes de la rutina. La misión: Hacer que estas historias desequilibradas por argumentos acusados vayan en un crescendo desorbitado, hasta llegar a complicarse tanto que suelen pasar barreras insospechadas en que ya no hay suspensión de credibilidad alguna. ¿No me crees? Te diré dos palabras: Expediente X (una de mis series favoritas, porque soy muy frikie y la tengo cariño, y eso que aquí los personajes cambian 'algo', ha durado tanto que mi cerebro no lo concibe, sera la 'religión X-Files' esa).

Este tipo de 'procedural serials con peso en la acción' no suele funcionar más allá de un par de temporadas (excepcionando CSI, hay mucho loco infeliz por ahí suelto). En general, al final, todo se vuelve común, trivial, predecible, a no ser que te apasione el tema que tratan, o que los actores, el puzzle o la voz del show 'drogue al espectador'. En ese caso, desde luego, tienes en tus manos un money-maker... Pero no suele funcionar y, si lo hace, no por mucho tiempo y espero que tengas suerte.

Por otra parte tenemos el segundo error, aquel en que podemos tener a personajes que cambian tanto y tan pronto o tantas veces a raíz de esos conflictos a los que se enfrentan, que no entendemos bien lo que ocurre, pues los cambios son procesos, no algo que vaya ocurriendo constantemente de forma bipolar, como reacciones químicas de partículas expuestas a diferentes elementos o situaciones. Esto también suele pasar en los procedurals, aunque ya es más común en seriales continuos, largos viajes, miniseries y dramáticos, en que equipos de guionistas piensan qué más hacer para que la serie siga a flote, Mejor solución: Construye una montaña rusa.

La última, la que más detesto, otro de los errores más comunes, cuando un personaje escoge la llamada a la aventura y cambia, radicalmente, en un capítulo o reacciona de una forma que no concuerda con la presentación del mismo, por lo menos de una manera tan breve. Además, normalmente estos cambios son iniciales, luego he podido observar que se suele establecer un largo estancamiento preparado para otro abrupto cambio al final.

Tal vez en este caso está funcionando gracias a las amorosas escenas de cama, esas de las que amas de casa y otras mujeres con el corazón roto o lleno de sueños no pueden despegar la vista. Ciertamente, los capítulos se ven más de una vez.

A esto lo llamo yo 'hacer historias con calzador', forzar al personaje a hacer o decir algo que dé un giro decisivo y muestre un desarrollo abrupto como consecuencia. Ejemplos que suelo enumerar a curiosos: Outlander, Daredevil, Sleepy Hollow, Orphan Black, Juego de Tronos (bastantes personajes, no sé en los libros), algunas temporadas de Breaking Bad (aunque lo 'aceptamos' por el desarrollo de Walter en las dos primeras temporadas, Jessie es otro caso aparte), etc. (...) He de comentar que, en muchos casos, no lo observamos en el desarrollo de toda la serie, es bastante común que esto comience a pasar tras la segunda o tercera temporada.

Como consecuencia, nos encontramos con que hay innumerables ocasiones en que 'el efecto calzador' ocurre con personajes de peso en la serie, aunque algunas se salvan y llegan a pegar fuerte en el mercado por su concepto, el universo creado, los ganchos y el contraste dramático; pero seamos realistas, estarían mucho más 'logrados' si no tuviesen esos momentos de cambios abruptos que nos hacen mirar al cielo y preguntarnos por qué leches los estamos viendo, o por qué no mejor saltarnos todas las temporadas e irnos ya a la última directamente.

¿Sigues ahí? No te podía exponer mi hipótesis así en frío y lo bueno se hace esperar. Pues bien, no sé tú, pero yo quiero llegar a realizar algún día algo como Mad Men, quiero escribir largos formatos bien construidos que, no solo hagan soñar, sino que también inspiren realidad a la gente y que 'respiren' por si mismos. Y por todos esos motivos que me irritan (y más), quiero exponer mi truco, mi técnica que trato de poner en práctica día día a la hora de desarrollar historias o hacer ejercicios de escritura. Y dice así:

"Esto va de ritmos y de exposición al elaborar historias, las cuales son, 

realmente, procesos orgánicos, como la vida misma. 

Hay que buscar la belleza y la coherencia a la hora 

de plasmar esa realidad. Mi regla de oro es: 

'La Proporción Áurea para la Escritura'."

El universo funciona así, la naturaleza funciona así, las fisionomía de todo ser viviente se agrupa así, los campos magnéticos y las sinapsis de nuestro cerebro mandan 'transmisiones' que circulan... ASÍ. Entonces, no entiendo por qué negarlo, por qué nadie reconoce que en las buenas historias SÍ PASA ESTO. Que hay una forma más objetiva de medir la realidad. Tal vez eso sea lo que impulsa a que algo siga hacia delante, ¿no creéis?

¿Cómo aplicar la 'ley áurea' a la escritura? Por supuesto, la hipótesis implica el entonado instinto del creador. Yo me lo imagino como un comienzo desde el punto central, en que el personaje más principal (por así decirlo, ya que en series actuales suele haber muchos más y a veces hay confusión); está en el centro y el resto de líneas rectas que emanan del punto primario son el resto de personajes.

Hasta ahí bien, ahora hay que relacionar a estos individuos entre si, por lo que elegiremos patrones y líneas que unan en diferentes puntos a los personajes. Las líneas serán la acción y determinarán la forma final de la espiral, que siempre debería ser la misma, esa que lleva el número de oro grabado en sus genes.

Esta espiral imaginaria resultante será el desarrollo de la totalidad de la serie, la esencia de la historia y temas, de los personajes con todos sus cambios. En mi visión, toda esencia armónica está ligada a esa espiral áurea en todo lo que nos rodea, así que, ¿por qué no en la narrativa también? ¿Por qué tenemos que pensar siempre en triadas que son tan sólo términos arbitrarios, ya por el mero hecho de darles nombre y valor para encajarlo en un proceso unidireccional? ¿Por qué nos conformamos con reduccionismos de la realidad?

A pesar de sonar muy metafísico, hay que materializar esto en algo físico (valga la redundancia); y lo cierto es que no hay que escribir todo o hacer esquemas con la sección áurea (aunque es recomendable), tan sólo has de tener este esquema en la cabeza a la hora de escribir las bios, los cambios en relaciones y el escaletado de la historia. Pensar si esta línea es coherente con el patrón de la belleza, al que tenemos de referencia. ¿Qué líneas sigue tu historia?, ¿a qué te suena?, ¿a qué alude? Adoro las preguntas...

Hay que encontrar esa armonía entre partes que se dividen en otras exactamente simétricas y la suma de las dos hacen otra, que por la misma regla de tres harán otra mayor con la misma proporción, y así sucesivamente. Llegar a ese lugar en el que tanto el pasado, como el presente y el futuro, están a la misma altura, en que se pueden visualizar todos al mismo tiempo y son coherentes entre sí.

Esto no es un truco, o un método cerrado, o de crear todas las series por el mismo patrón 2+2. De hecho, no sigáis patrones para crear series, si caéis ahí, que sea accidentalmente, que no sea porque queréis desarrollar una serie con el formato de X. Una vez más, lo podéis hacer, pero seguro que no llama tanto la atención y carece de ese alma que conduce cada historia, que es única.

Cuando menciono la percepción áurea en la escritura, me refiero a algo intuitivo, a una marca de agua en nuestra mente que nos hará notar si nos pasamos de cambios en el tiempo estimado cuando estemos creando.

Es un sentido arácnido que nos hablará si estamos acabando con un círculo cerrado donde no hay salida u otro lugar al que ir y, como consecuencia, pasaremos abruptamente a otro tema diferente olvidando los pasos de nuestros protagonistas; o si terminaremos con formas asimétricas. Yo opto por una preciosa concha de caracol que puede continuar y continuar, sin siquiera mostrar un final, porque no sabemos si lo hay...

Cierto es que todo tiene un principio, medio y final que se traduce a otro principio, mas eso se aplica al hablar en términos generales sobre algo. En realidad, cuando trabajamos de lo general a lo particular y lo traducimos en detalles, cuando nos sumergimos y sabemos más sobre algo, no siempre encajan las triadas lineales no abarcan todo lo que que queremos contar o cómo queremos contarlo.

Por esto he decidido escribir sobre mi idea de creación, por expresar la importancia de las proporciones áureas, pues la vida es un proceso y hay que intentar ser 'fiel a los mecanismos de cómo funcionan las cosas'. Los cambios son un proceso exponencial, son las curvas que van formando el todo, y cuando se ha cambiado el objetivo, este cambia porque se ha de pasar a otra fase, o comienza el ciclo de la misma fase otra vez (depende de lo que se quiera contar); y así sucesivamente.

Debemos intentar plasmar esta ley de oro en el desarrollo de nuestros personajes que van de la mano de la acción en la serie, para que así esta respire, para que se convierta en un retrato, en una obra de arte de la naturaleza humana.

Puedes hacerme caso, o pensar que esto son paparruchas baratas. Pero pruébalo, lo que sí es cierto es que no te equivocarás si buscas las proporciones áureas en todo proceso creativo y no tienes nada que perder por intentarlo. Mi consejo para tu serie es pensar en un principio, únicamente, y de ahí comenzar a tejer la tela de araña, lanzándote, con cabeza, a la incertidumbre más aterradora.


Espero que os haya interesado el artículo. ¡Feliz semana a todos!

**Esta hipótesis de la Escritura Áurea es una idea 

en la que llevo trabajando ya un tiempo y continúo en ello. 

Te rogaría que si la utilizaras en las aulas, por lo menos, dieses mi nombre.

Muchas gracias.

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CURIOSIDADES NOVEDOSAS EN NAB 2016

NAB es el epicentro de creadores e innovadores tecnológicos en el campo audiovisual, por ello, he decidido elaborar una lista de los artículos y accesorios más ingeniosos de la feria, sin contar, por supuesto con cámaras, iluminación y soportes de movimiento que comúnmente nos encontramos en este tipo de eventos.

Sí, nos referimos a curiosidades. ¡Comencemos!

1. MINI EYE CAMERA DE 360 DESIGN's (PACKS CON BLACK MAGIC MICRO)

Y es que no hemos mencionado todavía que una de las modas que ha pegado más fuerte este año es el 360. 

Estos vecinos de San Francisco son los responsables de 360 Design, una empresa de desarrollo que ha creado rigs para la recientemente aclamada Black Magic Micro (de grabación 4K interna), con un recurso de alimentación común, además de coordinación entre las cámaras, sonido y un software profesional para la edición, matching y rotoscopia de todas las partes muy intuitivo y fácil de usar.

En 360 Design se comprometen a ofrecer sets de tres, cuatro, y seis cámaras (las cámaras, sonido y objetivos incluidos) por menos de 10.000 dólares. Además, también ofrecen de packs de hasta 42 cámaras, pero esos son para trabajos más específicos o cinemáticos, proyectos más sofisticados. En principio, los creadores aseguran que los packs de 3 y 4 cámaras son perfectos para eventos en vivo como conciertos o entrevistas. Prueba de ello es que utilizaron la de tres cámaras para cubrir la entrada a la gala de los Oscars. Ya hay varios creativos que se están lanzando al 360 profesional y estamos ansiosos de probarlo... Por lo menos yo.

Podéis visitar su página para comprar sus productos o informaros un poco mejor aquí. 

2. UNA FRICADA: LA CÁMARA OSMO RAW

Sí señor, una fricada de verdad. La DJI's OSMO es una cámara 4K con gimbal y estabilizador de imagen como parte del cuerpo del aparato en sí. Todo en uno.

Interesante en su construcción, utiliza la cámara Zenmuse X5R, que viene incluida y prácticamente incrustada en el rig. Además de hacer tilts, panorámicas, todo tipo de movimientos con un estabilizador envidiable... También graba a 4K en un sensor de micro 4/3 a 30 fps, tiene altos frame rates a 2K y HD, 12.8 stops de rango dinámico y una memoria de entre 60 a 90 minutos dependiendo de la resolución de captura. 

Hay gente que está grabando pelis en esto, os lo aseguro... Y hay que ser friki. Podéis adquirirlo en la web de DJI, comprad también los accesorios, cuantos más mejor.

3. ROKINON XEEN CINEMA LENSES

Lentes fijas de cine y a buen precio... ¡Cuanto tiempo hemos tenido que esperar! Pues ya están aquí (bueno, un par de ellas llevan en el mercado unos meses ya). El set de objetivos, que costará 9,999 dólares, incluirá por un lado un 14mm de 3.2 y un 24mm, 35mm, 50mm y 85mm de foco 1.5. 

Según Mr. Morris, el representante de Rokinon en NAB, están planteando la creación de Xeen Zooms de calidad que acompañarán a estos diablillos en el futuro. He aquí un vídeo promocional en el que se lleva a cabo un test con los objetivos en cuestión. Rokinon quiere desbancar a Canon y a Zeiss y no parará hasta que lo consiga.

4. OBJETIVOS SLR 'MAGIC ANAMORPHIC' PARA PANASONIC GH4

A pesar de no haber sacado una nueva versión de la GH, Panasonic quiere mejorar sus productos y se han comprometido a ello. Primero arreglaron ciertos problemas de baterías, ahora han añadido un update en que la cámara ya puede grabar en Cinema Log (entre otras cosas) y lo último: Un adaptador y firmware necesarios para poder grabar en anamórfico y hacer que el consumidor se olvide un poco de que tiene un sensor 4/3.

Ya el año pasado agregaron la función anamórfica al software, pero hubo numerosos problemas de sincronización y demás, con lo que la empresa, al ver la demanda de usuarios en manifiesto, han sacado un producto que, de hecho funciona a la perfección. 

Un accesorio indispensable para tu GH4 que hará que tus imágenes, realmente, parezcan más cinemáticas. En principio han sacado este producto para 35 y 50mm a 2.500 euros aproximadamente, pero también están haciendo ya para otras medidas y rondarán el pack completo rondará los 8.000 euros.

Nota: No me convence demasiado el precio.

5. OLPFs PARA LAS CÁMARAS RED

¿Qué son las OLPFs? Son filtros analógicos de full spectrum para el sensor. Y es que Kippertie, una empresa formada por cuatro gatos que ha estado en boca de muchos la semana pasada, nos pregunta: ¿Cansado de las gamas de color de la Red? ¿Aburrido de los tipos de texturas que capta y de tener que innovar constantemente en postproducción? Aquí tenemos algo para ti: ¡Los OLPFs! 

Ofrecen NDs y diferentes colores por 500 euros, pero destacan tres tipos estrella, que son los que realmente cambian más la estética: El Carbon, el Pearl y Gold. Estos últimos oscilan entre los 600 y 700 dólares. Os aseguramos que cada uno de ellos capta texturas y colores diferentes cuando a su vez, aisla otro tipo de materiales, como cabellos o humo.  Ventajas de utilizar filtros de sensor, en vez de los tradicionales: Uno, no tienes que ir andando con la matebox de arriba a abajo, de hecho, puedes tirar ese bicharraco tan caro a la basura si quieres o dejarlo de adorno o para días extremadamente soleados... 

Razón número dos, no hay suciedad ni reflejos extraños de otras superficies ópticas; tres, al ir directamente al sensor, el efecto se crea independientemente de la distancia focal, por lo que no hay que irlos cambiando constantemente; y cuatro, capta ciertos efectos de reflexión de luz natural que NO SE PUEDEN EMULAR EN POST. Y ese es el punto más interesante señores, además de la conveniencia de trabajar con filtros de sensor analógicos, que, de verdad, no sé cómo a nadie se le ha ocurrido esto antes.

Aquí tenéis un vídeo con un test variado.

Los OLPFs para la Red llevan en venta ya unos meses, pero se pueden conseguir aquí.

6. RE: LENS PLUG-IN PARA VÍDEOS 360 DE VISION EFFECTS

Y volvemos con 360, esta vez a un precio de llorar de la risa: 150 euros. Sí, y preguntarás: Bien, ¿cuántos de esos necesito? Yo te aseguro que sólo necesitarás uno. Esa es la meta de esta compañía, han hecho una lente que abarca un ángulo entero manipulando el ojo de pez de la GoPro. Por si fuera poco, también ofrecen el software incluido.

Aquí tenéis un vídeo ilustrativo, el accesorio lo podréis comprar aquí.

7. OBJETIVOS LP: SCHNEIDER XENON FF 18MM T.2.4

Schneider presenta la línea Xenon, las lentes más ligeras y rápidas del mercado producidas en Alemania. Su objetivo principal es el de 18mm, que abre a 2.4. Eso no es todo, además de presumir por tener el objetivo para full-frame más rápido del mercado, también tienen packs con objetivos de 25, 35, 50, 75, 100 y 130 mm que rondan 1200 euros aproximadamente cada una.


Lo más innovador es que prácticamente todos los objetivos de la gama pesan entre 1 kilo y uno y medio, con lo cual es son ideales para rigs motorizados, steadycams y cualquier base que requiera hacer balanza. Eso siempre se traduce en efectividad y lo apreciamos profundamente.

Nadie ha podido quitarle el ojo a ese 18mm que está marcado a 6.300 dólares.

Estos han sido los productos más llamativos que, por un motivo u otro, marcan una diferencia considerable en la forma en que podemos ejercer esta profesión tan llena de encanto y de dolor a la vez, esa profesión bélica de las artes y las emociones a la que los románticos llamamos cine, o producción de contenidos audiovisuales, dependiendo del día.

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NOVEDADES EN NAB 2016: ¡LO ÚLTIMO DE LO ÚLTIMO EN CÁMARAS!

La semana pasada tuvo lugar la exposición de National Broadcasters Association, más conocido como NAB. En esta se dieron a conocer los avances y nuevos modelos de pequeños y grandes hambrientos empresarios.

¡Que agobio por Dios!

Quieren cambiar el mundo y facilitar la vida a los comunicadores y artistas audiovisuales, para que estos lleguen a recrear, así, una experiencia única en la mente del receptor. Cineasta Digital ha querido realizar una selección de las innovaciones más significativas de NAB 2016 y exponerla sobre la mesa para inspirar consideraciones en todo curioso o interesado. Sin mayor dilación...

¡COMENZAMOS!

1. LEICA SLR 4K CAM

Leica se lanza este año con una DSLR que toma como referencia a la Sony a7S y lleva el concepto de cinema sensor sin espejo al máximo exponente. La Leica SL 4K está disponible ya en Europa por 5.000 euros aprox. y en USA a 7.500 (algo bueno tiene que tener ser europeo.)

Con esta cámara la compañía salta al vídeo definitivamente (aunque sigue incluyendo al sector fotográfico en sus planes) y continuará mejorando sus sensores. Lo que es innegable es que, por ahora, no nos podemos quejar, pues ofrece 4K a 10 bit con una salida de 4:2:2 Uncompressed. La única crítica de los consumidores hacia el producto es el hecho de capturar en 4K adaptándolo a Super 35mm en vez de full-frame. ¿Tengo algo que decir al respecto? Sobre gustos... COLORES.

• 24fps a 4K DCI
• 30fps a 4K Quad HD
• 120fps a HD
• Grabación interna a 8-bit 
• Pantalla táctil
• Hasta 25,000 ISO
• Modo Leica LOG
• Salida 4K a 10 bit 4:2:2
• Tarjeta SD (HD a 8 bit)
• Formatos .mov or .mp4 with h.264 compression a 100 Mb/sec.
• Montura Leica L (hay adpatadores disponibles)
• Formato HD - utilización del sensor al completo / 4K hace el cropping a APS-C
• Autofoco de Precisión (de hecho los usuarios están hablando maravillas del sistema utilizado)
• Límite de grabación de 29:59 minutos 
• Baterías de larga duración y optimización de energía

OPINIÓN DE CINEASTA DIGITAL: Parece que, tras investigar un poco, hay numerosas quejas sobre el 'cebreado', el modo cinema log que no deja ver al detalle ciertas texturas, las aberraciones y granos a más de 800 ISO, el error al ofrecer una única entrada para tarjetas SD, y sobre todo, el precio total al tener que adquirir a su vez objetivos Leica para mayor calidad de ejecución. Parece que le queda un largo camino que recorrer a Leica para llegar a la altura de sus competidores. No se puede saltar a un mercado nuevo de pronto y esperar igualar a otros que llevan evolucionando en esto ya unos años.

A pesar de tener una calidad memorable en el sector fotográfico, y de saber que el cristal empleado va a ser de alta calidad, yo no me lanzaría a comprar este equipo.

2. TERRA CAMERAS DE MANOS DE KINEFINITY

Aquí nos encontramos con una puja de la compañía pequinesa Kinefinity que, tras haber pegado fuerte con KineMax y KineMini, se aburren del 4K y se tiran por el precipicio para llegar a 6K, todo ello, como siempre, con obsesión por el peso y tamaño de sus cámaras compactas.

No es para menos, la filosofía de la empresa: ¿Que quieres 5K? La cámara te costará 5.000 euros. ¿Prefieres 6K? Pues nada, 6.000 gambas. Todo variará dependiendo del pack que elijas, pues has de encargar la cámara (sí, la hacen sólo para ti y todo). Independientemente del tipo que selecciones, estas son algunas características:

• RAW Recording 5K o 6K Externo
• Compress RAW a 12 bit
• Sensor 6K Super 35 Format CMOS (el mismo que la KineMax)
• Proress 422HQ, Proress 422, Interno a 10 bit
• Formatos .mov y .krw
• 25 fps a 6K, 100 fps a 4K, 150 fps a 3K y 225 fps a 2K
• Native ISO de 800 hasta 20480 (utilizable hasta 1600)
• Global Shutter (sólo en 5K) y Rolling Shutter con modificación del dynamic range entre 13 stops y 15 stops
• 2.5 SSD media, 2 salidas SDI, un HD port y Kinemount port
• Sincronización multicámara
• Modo exclusivo New Lock con extensión tipo speedbooster: EF-mount y Kin-mount (con opción de adaptadores para ópticas PL o Nikon).
• Resolución: 6K, 4K, 4K (4:3), Golden 3K, Golden 2K
• Placa para la batería tipo V-mount

OPINIÓN DE CINEASTA DIGITAL: Menuda cámara de cine te llevas de oferta. ¿Se querrán comer a la RED DRAGON? ¿Se querrán devorar a todos los demás pujadores de DSLR? Sólo ellos lo saben, venden bueno, bonito y barato. Lo cierto es que esto, raramente funciona en vídeo, aunque hay excepciones, por lo que vale la pena por el precio que tiene. Sé que muchos se mostrarán reacios con respecto a esta marca, pero vamos a ver, ni que Canon no comprase los mismos sensores en Pequín... Por el amor de Dios, tan sólo hay, principalmente, tres fabricantes de sensores de vídeo/cine digital en el mundo, y dos de ellos están en China y en Korea. Hay cámaras de cine con calidad indiscutiblemente superior y sensores fabricados por un departamento de I+D interno de la marca, pero la inmensa mayoría de fabricantes conocidos adquieren los mismos sensores. Así que, hipocresías fuera de juego, por favor.

De cualquier modo, yo no me aventuraría a ser de los primeros, a no ser que tuviese 6.000 euros para gastar libremente en mis aficiones. El motivo no está ligado a la marca o al diseño, sino a que una primera generación de una cámara de ese tamaño, tan pionera y con tal potencial debe calentarse como el mismo infierno. A mi me huele a quemado todavía y lo único que quiero es ser capaz de terminar mi jornal y seguir el plan de rodaje, por favor (ya detesto las RED CAMS lo suficiente en este aspecto y son de renombre). 

Segundo punto a considerar: Ya de por sí, intuyo que la Terra, al rodar en 6 o 5K se debe beber las baterías como nadie, supongo que por ello los de Kinefinity han optado por adaptar una V-mount estándar para la batería, además animar al usuario a que la 'utilice enchufada'. Un aspecto interesante es que incluye una extensión del cuerpo a modo de speedbooster, eso sí me parece un añadido, pues bien sabemos que nunca tenemos suficiente luz para trabajar.

En general, me esperaría a escuchar a compañeros que hayan tenido el placer de trabajar con ella primero y a que la gente vaya sacando pietajes en youtube y, posteriormente, sopesaría la compra. Por ahora, las Terra han causado sensación en NAB y muchos ya están hablando de ellas. 

¿Ganas de adquirir este juguete? La 5K sale a la venta en Mayo y la 6K en Junio (adoro el marketing de esta compañía), aquí podéis encargarla. ¡A ver quién se atreve!

3. PHANTOM VEO

Veo veo, qué ves... La última vez que fui personalmente a hablar con uno de los developers de esta marca fue en la feria Cinegear 2014 y vi algo ciertamente deleznable. Anduve por los pasillos de la feria y, tras divisar el booth de Phantom, me dirigí allí directamente para pedir un catálogo y más información. De pronto, el representante y sus secuaces me miraron tras el stand, se rieron de mí en mi cara y me dijeron: "Ay lo sentimos, pero no tenemos nada que enseñarte". 

Me sentí algo contrariada y, simplemente, pregunté porqué. Ellos se comenzaron a mofar, mientras las siguientes palabras salían de sus bocas de gesto torcido: "Ah girl, nosotros hacemos cámaras de cine, de CINE de VERDAD. Nada que tú realmente puedas alcanzar, nada, está fuera de tu liga." (Sé que lo he escrito de una forma peculiar, es la traducción.)

Al principio me sentí agradecida, en primer lugar porque me llamaron 'niña', lo cual hace que me olvide de esas pequeñas arruguitas que rodean mis ojos (aunque eso de 'girl' podía aludir a otro tipo de connotaciones), pero después... 

Apareció el monstruo, ese lado travieso y casi endiablado tan mío salió a la luz, de pronto, y les respondí: "Si no está a mi alcance, creo que ni ustedes mismos, ni la mayoría de los que están aquí puede estar a esa altura tampoco... Y la gente huirá de este stand lleno de momias amargadas, para ir al de Black Magic, Alexa o cualquier otro de los que viven en este siglo en términos de precios sin subestimar a ningún cliente... Si ustedes, señores, se sienten tan importantes 'vendiendo esto', por mi pueden quedarse con su chatarra y que les parta un rayo". Me di la vuelta y me fui, 'ya nos veremos en unos años', me dije a mi misma, 'si es que llegan a sobrevivir claro'...

Y ciertamente, estos de Vision Research (los fabricantes de Phantom) han visto que su compañía iba a quebrar, que su filosofía de empresa era nefasta y absurda, y que la actitud altiva e incluso machista de los 'técnicos cinematógrafos que saben tanto que ni ejercen y son vendedores' estaba funcionando en su detrimento. Así que, por fin, han tomado cartas en el asunto y se han atrevido a lanzar cámaras como la Miro LC (HD) y otras de rango medio como las VEO, que se equipararían a las Canon Cinema Series, aunque con mayor velocidad, pues no hay que olvidar que ese es el fuerte de la marca. Nunca digas de este agua no beberé, supongo.

Para hablar brevemente sobre el producto: la Phantom VEO captura hasta 1.500 fps a 2.5K y todavía no saben cuando las sacarán al mercado, sólo tienen los prototipos. 

¿Necesitas ultra slow mo? ¿Eres un myth buster, cazador o haces únicamente slow motion? Esta es tu marca entonces. Si no eres de esos y adoras la cámara lenta, yo te animaría a alquilar una de la gama alta directamente, no a 'comprarte una phantom'. La razón: Hay más opciones mucho más interesantes en el mercado de sensores, calidad de imagen y workflow bastante más atractivos. Si quieres saber más, pues ves el vídeo, que la autora pasa de escribir sobre su producto (aunque ya bastante me fastidia compartir el vídeo, pero bueno, les daré una oportunidad.) 

Nota: Ahora hasta tienen mujeres trabajando en el stand y todo

4. PANASONIC VARICAM LT, AG-UX 180 Y AG-UX 90

Comenzamos con la VariCam. Esta cámara, de la familia de la VariCam 35, comparte con su hermana mayor la misma electrónica y prácticamente las mismas prestaciones, pero es más compacta y versátil, está pensada para indies, documentaristas y todo aquel que necesite utilizar gimbals o drones para planos aéreos.

Llegamos a las Panasonics y esta es una de las cámaras estrella para este año, pues ofrece 4K y un sensor Super 35mm, junto a todas las prestaciones y calidad de la VariCam35, pero a un precio razonable. La cámara se anunció previamente ya en Febrero y acaba de salir a la venta.

• Sensor 4K de VariCam 35
• Peso: 2,7 Kg. aprox.
• 14+ Stops de Dynamic Range
• ISO Dual variable entre 800 y 5000
• Instalación placa Canon EF o para objetivos PL (Esta es desmontable y cuesta $1,300 extra)
• Salida RAW de SDI (desde este verano 2016)
• Velocidades: 4K-UHD — AVC-Intra 4K422: Hasta 30p; 4K-UHD — AVC-Intra 4K-LT: Entre 30p y 60p; 2K — AVC-Intra 2K444: Hasta 30p; AVC-Intra 2K422: De 60p a 120p (cropping); AVC-Intra 2K-LT: De 120p a 240p (cropping); HD — AVC-Intra444: hasta 30p; AVC-Intra422: de 60p a 120p (cropping); AVC-Intra100: 50i/59.94i; AVC-IntraLT: De 120p a 240p (cropping); HD ProRes: 4444 hasta 30p; ProRes 422HQ hasta 60p
• Una entrada de tarjeta expressP2; Entrada de tarjeta SD para Proxies  (AVC-Proxy G6 a 6Mbps): hasta 60p
• Tarjeta 256GB expressP2 — 90 min de vídeo a 4K/4:2:2/23.98p
• Otras entradas: Tres 3G-SDI OUT (SDI OUT 1/ SDI OUT2/VF SDI); Genlock IN, TC IN/OUT, LAN; USB HOST (para conexión a las redes), USB (miniB); un XLR 5 pin, dos XLR 3 pin; dos DC OUT 4 pin Hirose; Conector Lens/Grip 12 pin; 12 V DC-IN 4 pin; Head Phone x1 3.5 mm Stereo Mini Jack; Proxy FTP
• Compatible con Panasonic AU-VCVF10G viewfinder y otras marcas.

Papel higiénico, de todo vamos, para apelar tanto a estudios de grabación que quieran ahorrarse un dinerillo, como a 'cineastas y realizadores independientes' varios. El precio: 16,500. En comparación la VariCam 35 hay mucho que ganar y bien poco que perder, ya que te llevas esencialmente la misma cámara sin pagar 55 mil pavos por el cuerpo.

Por otro lado Panasonic ha exhibido sus otros dos modelos de la gama UX para el filmmaker independiente, y es que realmente se han propuesto trabajar en satisfacer las necesidades de los públicos más variopintos y exigentes. Tanto la AG-UX 180 como la 90 graban en 4K externamente. A pesar disponer de pocos detalles, pues los productos están en desarrollo, la compañía ha anunciado algunas de sus características básicas:

AG-UX180

• 4K (4096x2160, 24p only), UHD (3840x2160) and FHD at up to 120p
• Sensor 1-type MOS 
• Optical 20x zoom
• Grabación UHD 60p
• Tarjeta SD 
• Codec de grabación dual (UHD/FHD)
• Grabación IR en low light
• 3G SDI/HDMI2.0 output

AG-UX90

• 4K (4096x2160, 24p only), UHD (3840x2160) y FHD hasta 120p
• Sensor 1-type MOS 
• Optical 15x zoom
• Grabación UHD 30p
• Tarjeta SD

Panasonic ha comunicado que, tanto la AG-UX 190 como la 90, se pondrán en venta a mediados de otoño de este año por 4.000 y 3.000 dólares respectivamente.

OPINIÓN DE CINEASTA DIGITAL: Soy una persona de narrativa y me gusta dar diferentes looks a mis proyectos. Ya he pasado hace tiempo por la época AX-A??? Panasonics, y no volvería. Fue hace mucho tiempo ya, como 10 años o así. Este estilo de handy-cams son muy útiles para cubrir noticias discretamente y acción documental, making ofs... Y para de contar. Normalmente funcionan genial en exteriores pero tienen un dynamic range real muy limitado en interiores y nos quedamos cortos de settings. El precio me parece excesivo, la verdad, para una cámara semiprofesional, y apuesto mi equipo a que estos modelos bajarán a más de la mitad en precio y se mantendrán más o menos en 1.500 en cosa de un año y medio. De todas formas, puedes esperarte y, después, adquirir un par de AG-UX 180s para salvar el día o poner a uno de los de 'prácticas' a manejarla para un backup. Aunque ni con esas, no me suele gustar el tipo de textura, ni lo WB determinados, ni los colores captados por ese tipo de cámaras. No la compraría, no.

¿Consideraría la VariCam LT? ¿Si realmente es como la VariCam 35, y me llevo una cámara de cine, comparable a la última generación de Alexas, con un cuerpo menor, y por 16.000 euros, en que puedo utilizar mis lentes Canon y LPs? Desde luego que sí, la VariCam 35 me encanta, sobre todo esos colores en RAW (sin el Log), tienen un halo muy publicitario y 'edgie' para thrillers o videoclips... ¡Así que sí, adjudicado! Aunque no olvides que también tendrás que adquirir una grabadora 4K y eso sube el presupuesto... Pues como todo, supongo.

5. CANON ME200-SH Y ME20-SH

Canon no se ha quedado atrás este año, de hecho, podríamos decir que ha innovado algo más que en la época entre el 2011 y el 2014, en que simplemente ha ido implementando productos ya manufacturados modificando el software, dándoles otros nombres y vendiéndolos como si fuese el pececito del vecino a tu cuidado, que se te murió, y compraste otro igual para ponerlo en la misma pecera y devolvérselo como si nada. Claro que, los de Canon te dicen que el pececito es diferente, cuando siempre es el mismo... Joe que lío.



Se trata de las Canon Me200 y ME20 SH, unas propuestas híbridas que la marca ha querido sacar al mercado calificándolas de 'multiusos' ('multipurpose') de calidad profesional. La ME20 es una alternativa full-frame para los más modestos que únicamente publiquen vídeos en youtube y no necesiten mayor calidad que HD, mientras que el plato fuerte es la ME200, que tiene el mismo sensor Super 35 que las C100 Mark II, dual pixel autofocus y captura 4K.

Además, estos de Canon no se han quedado cortos y han creado unas lentes diferentes a las que llaman EF Cine Zoom que van con la cámara y se pueden utilizar junto a las EF con opción de PL en la Me200. La Canon ME20 únicamente podría utilizar los objetivos ya citados, a excepción de los PL, aunque están considerando sacar una versión full frame con 'monturas de cine'.

De esta manera, nos dejan con el objetivo EF Cine Zoom, unas lentes diseñadas a partir de la combinación de la anatomía de ópticas PL de cine, las de broadcast profesionales de la marca junto a un ligero halo de las EF tradicionales. 

Resumiendo: Con este objetivo tienes todo en uno, puedes hacer tanto dramáticos como publirreportajes, es fácil de usar, rápida, luminosa, tiene un estabilizador de imagen de infarto, además de funcionar de vicio con luz de recurso y low key... Es para todas las situaciones que te puedas imaginar, pero con una construcción interna más estilizada que las típicas lentes zoom y menor deformación de la imagen. ¡No sé qué más podría pedir! Serás capaz de componer cuando, a su vez, no se te pasará ni un desenfoque accidental (si realmente lo necesitas, claro.)

OPINIÓN DE CINEASTA DIGITAL: Una alternativa para superar, en términos de eficiencia y calidad, tanto a las DSLRs de 'alto estanding' como a esas Cs de gama más baja (especialmente a la hora de cubrir eventos). A pesar de que la ME200 no llega a ser Cinema Series, cumple el mismo papel y sirve mejor al hacedor para capturar imágenes y disparar más rápido con calidad y texturas cinemáticas. Claro que, lo de que no está a la altura de las Cinema Series está por ver.

Personalmente, no soy muy partidaria de Canon, a pesar de tener todo el equipo de la marca en cuestión (por casualidades de la vida, no por preferencia), la paleta cromática que capta ya me comienza a cansar y me irrita profundamente la actitud que han tenido con sus 'rebrandings' y 'repackagings' estos últimos años; aún así, ya en 2014-2015 sacaron otros modelos intentando innovar un mínimo. Además, comenzaron a tratar de cubrir un sector del mercado que estaba descontento y se dejaba la voz en los foros, para sacar versiones mejoradas como la 5D Mark IV o la Canon C10 (otra 4K), de la que nadie habla, pero que, ciertamente, es ideal para reporteros en apuros y eventos pillados al vuelo. 

Ahora, tras las quejas del extremo automatismo de la C10, nos saltan con estas versiones ME que, para documentales, reportajes o dramáticos de bajo presupuesto en que no dispones del tiempo que necesitas, cumplen el mismo papel que las otras de gama más alta de las C-Series y cuestan 5.000 EUROS. Yo lo veo claro, sí me compraría la ME200, que para fotos más artísticas ya tengo la DSLR tradicional. La ME 20 está a 2.400 euros, honestamente, no creo que valga tanto la pena, aunque claro, depende de para qué la utilices y el medio en que distribuirás tus contenidos. Ya que haces una inversión de esta magnitud, mejor quédate con la más versátil a 4K con el foco dual pixel y opción PL. 

¿Que sacas más fotos y te da más igual el codec para 4K o tienes paciencia para enfocar tu DSLR todo el rato? Pues espera y te compras la 5D Mark IV. Pero en general, desde un punto de vista de procesadores de imagen y sensores, no veo que haya mucha diferencia entre la ME20 y la nueva 5D, simplemente el interface de rápido manejo y las opciones de autofoco de las ME Series.

En lo que a mí respecta, supongo que estos últimos años me he vuelto un tanto alienígena, un híbrido, ¡qué te puedo decir! La ME200 es la mejor inversión calidad-precio para usuario medio que he encontrado en mi investigación sobre novedades de NAB 2016. 

Aspectos negativos: Parece que sigue con el mismo Codec de Canon, del que muchos empiezan a quejarse en post, sobre todo en el campo de VFX, por lo que he leído. Qué manía con 4K ¿verdad? Si es que todo el mundo sabe que no vale la pena el 4K a no ser que quieras proyectarlo en pantalla grande, o que vayas a añadir FX y recomponer en post como loco. Además, hay que tener un grabador externo, pero realmente eso ocurre en la mayoría de cámaras 4K (gasta, gasta más)...

Así que miraré para otro lado y sacaré mi tarjeta de crédito. ¡Cinco estrellas!

Resumen de NAB, por lo menos en el sector 'camaril': Este año no ha habido demasiadas novedades, de hecho. Compañías como RED CAM, Black Magic o Sony, que eran las que tenían más expectación, se han dedicado a implementar ligeramente esos servicios, widgets, software y firmware y NO VAN A SACAR CÁMARAS NUEVAS ESTE AÑO. Gran decepción: Todos estábamos esperando para hacernos con esas nuevas Panasonic GH**. Pues nada, no va a haber por ahora.

A pesar de todo, he elaborado otro post con el plato fuerte de lo que creo que ha sido NAB, que son pequeñas curiosidades de modestos comerciantes y creadores. 

¡Muchas gracias por leerme, espero que haya sido instructivo! O, por lo menos, entretenido.

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