5 CONSEJOS PARA HACER VÍDEOS DE YOUTUBE (CON CONTENIDOS DECENTES)

Tras 5 Consejos para hacer Vídeos de Youtube (con una calidad decente), he decidido a lanzarme a la piscina de bomba y mencionar otros cinco consejos, esta vez, relativos a los contenidos y a la ejecución de los vídeos en sí. Espero que os sirva de ayuda y que disfrutéis del post. ¡Allá vamos!

1. LAS PALABRAS 'CONTENIDO' Y 'DURACIÓN' IMPORTAN, Y MUCHO.

Contenidos, esos que nos hacen disfrutar y sufrir. Antes, debemos conocer los tipos de contenidos del medio y, sobre todo, los que funcionan. Por lo general youtube tiene unas pocas fórmulas que funcionan con el medio y su gestación de origen:

$$ No Ficción-Informativos-Pedagogía-Actualidad: Vídeos caseros, noticias, entrevistas, tutoriales, entrevistas en crudo (testimonios), vídeos robados, POV, revisiones que ponen productos a prueba, juegos y videojuegos (sí, estos se clasifican en este segmento, pues los gamers quieren aprender técnicas y, además, equivaldrían a ver un partido de fútbol en diferido).

$$ Ficción: En este tipo el género que mejor funciona es la comedia o el fenómeno de los character videos de youtubers que se puede combinar, en ocasiones, con el género informativo-pedagógico (como revisiones o críticas 'ficcionalizadas' con bromas). También funciona el terror, aunque siempre presentado como si fuese filtro de información real (imágenes inéditas para los privilegiados, TOP SECRET, todo eso). Por último, tendríamos mockumentaries y webseries varias, cortometrajes y largos con anuncios (estos funcionan cuando se dirigen a adolescentes o cuando manifiestan injusticias o conspiraciones).

$$ Música: Videoclips, conciertos, playlists. (Otro animal para dar de comer aparte).

*Nota: En cuanto hay un personaje extremadamente definido se considera ficción, por ello incluiríamos aquí a la mayoría de críticos (debido a la estética 'cartoon' que suelen utilizar, a su subjetividad y a que se normalmente se han creado un personaje). A pesar de todo, nada es blanco o negro y, realmente, en ocasiones, hay un solapamiento entre ficción y no-ficción. Recuerda que la tendencia de youtube, desde su nacimiento, era intentar teñir su vídeos de realidad, ese fue el origen de la plataforma, era la voz de los sin voz (y también podías poner las fotos de tu gato, tu gato era la estrella). Paradójico comienzo de la plataforma con mayor audiencia del mundo.

Bien, ¡siguiente! Antes de comenzar a grabar has de tener claro el tema y, dentro de este los subtemas. Piensa en que has de hacer un canal con un nombre que comunique TODO sobre tu conglomerado de vídeos, una palabra, dos a lo sumo. Cuando lo tengas, ya de ahí iremos bajando del vértice de la pirámide para llegar a lo más específico del asunto.

PUEDES LEER UN EJEMPLO DE LA PIRÁMIDE YOUTUBAL PINCHANDO AQUÍ

Decidas lo que decidas, SÉ REALISTA, que además de producir esos vídeos hay que promoverlos en las redes, y responder a insultos, alabanzas, preguntas y comentarios.

Por otra parte: Duración. Aunque no hay duraciones determinadas en ciertos temas (como juegos, documentales o tutoriales), es recomendable no sobrepasar los 7-8 minutos, es más, el ideal es tener vídeos de menos de 5 minutos y, si es un vídeo meramente informativo de un producto o sketches, bajémoslo a 3 minutos como tope.

Razones: En Youtube hay que ir directo al grano, aunque, si te diriges a audiencias más racionales o estás explicando algún tipo de proceso (sin que sea un puro tutorial), puedes tener más libertad en el tiempo. Si te pasas, siempre puedes dividir el vídeo en dos, lo cual nos lleva al segundo punto.

2. PRIMEROS Y ÚLTIMOS SEGUNDOS. 

Esto es como una buena novela, las primeras páginas son decisivas. En internet toda información es volátil, los primeros 30 segundos son importantísimos.

Lo mejor es empezar con un resumen de lo que vas a hablar, por puntos, directo y simple, aunque siempre con toques de humor o alguna frase que muestre tu auténtico punto de vista al respecto (sin desvelar demasiado). Lo que admiro es poder observar los signos de la personalidad de cada uno, la postura y el sello de alguien en los primeros 30 segundos. Todos los youtubers de fama, si te fijas, siempre lo hacen (a pesar de la estupidez en las temáticas de muchos de ellos).

Últimos segundos: Sumario en una frase y llamada a la acción (de forma más creativa que decir 'por favor suscríbete a mi canal'); y, a ser posible, soltar otra 'punch line' final.

Importante: Las punch lines son esenciales si vas a ser un youtuber. El gancho de humor ha de estar ahí siempre, pero si ves que queda forzado con tu personalidad no te arriesgues, es mejor no hacer una broma que hacerla mal. Si realmente quieres que tus vídeos tengan esa chispa que hay que tener, siempre puedes apuntarte a clases de improvisación. Probablemente tras unos meses te sueltes y llegues a encontrar tu esencia en el escenario, ya que el profesor y las reacciones de tus compañeros serán la guía que tendrás que seguir para saber qué tipo de bromas que utilizas funcionan.

Como para todo negocio, conocerse a uno mismo (con virtudes y defectos), es imprescindible para estar frente a la cámara y 'marcar' a la gente. Yo siempre digo que todo el mundo tiene sentido del humor, y si no, encuentra su humor en la profunda seriedad con pausas absurdas, equivocaciones, parodias de uno mismo, velocidad... Hay técnicas y tienes que encontrar qué es eso que cuadra contigo. Con esfuerzo y una pizca de carácter siempre se puede sacar algo que, con la ayuda de una buena edición, proporcione el efecto deseado.

Por otra parte, si eres muy tímido o no disfrutas delante de la cámara, pero aún así necesitas esos vídeos, busca otras formas de mostrar tus contenidos con voz en off o gráficos, o contrata a un actor. Aunque mantengo mi opinión, creo que todo el mundo tiene algo, sólo hay que encontrarlo, y de ahí las cosas comienzan a cambiar.

En fin, algunos ejemplos de youtubers que funcionan: Las humoristas Nicole Arbour y Ray William, el cinéfilo Chris Stuckmann, El Chico Morera...

Este mismo, tras obtener cierta fama se volvió algo más personal, creó otro canal y consiguió multiplicar sus vistas por millares, lo puedes ver aquí.

Vapeando Low Cost (músico y comediante que dejó de fumar tras años y años). Uno de sus mejores vídeos aquí.

Youtuber y blogero, el videógrafo Philip Bloom.

3. SÉ TÚ MISMO SIEMPRE (SÍ, MI ABUELA TAMBIÉN ME DECÍA ESO).

Al igual que todo creador, un youtuber ha de comunicar con su propia voz.

Es una buena idea el estudiar y observar lo que otros hacen, qué funciona, qué tiempos funcionan, qué temas funcionan... Pero siempre hay riesgo de terminar copiando las voces de otras personas. De hecho, muchos lo hacen tan bien que estamos acabando con los mismos 'tipos de voces' en este mundo del entretenimiento paradigmático... Pero si queremos evitar el dirigirnos a la misma meta, el acabar con un mundo lacónico y bipolar, debemos escupir nuestros pensamientos al detalle. Todos tenemos algo diferente que decir y las posibilidades son infinitas.

En lo que a la duración se refiere, realmente debes seguir tu propio instinto. No todos comunicamos igual y hay gente que juega más con palabras, o que necesita más tiempo para explicar lo que quiere comunicar.

Mi regla de oro es que intentes ser directo, pero sigue tus patrones personales de comunicólogo. Mejórate, pero no te empeñes en hablar 'escopetado' para llegar a los 3 minutos. Estoy segura de que habrá gente que se enamorará de tu voz, no importa cuanto tiempo tardes.

En general, las audiencias masivas de youtube no tienen mucha paciencia. Lo quieren todo, y ya... Aunque, tal vez, esa no es tu audiencia, recuerda, este juego no va de 'gustarle a cuantos más mejor'. Así que ya sabes, sin prisa pero sin pausa.

Ahora, he de comentar que no todo el mundo tiene una voz definida, peculiar y entretenida (sí, hay que tener energía, me da igual el tipo que tengas). Hay técnicas para encontrar tu voz (como hemos tratado en el punto anterior) y para pulirla. A pesar de todo, de que creo que con esfuerzo todo se consigue, realmente muchas personas no tienen demasiada voz o esta no es lo suficientemente definida. Pregunta del millón: ¿Pueden hacer vídeos? Sí, pero para públicos únicamente interesados en tutoriales o en procesos ejecutados en vivo donde el presentador-conductor pase a un segundo plano y muestre simplemente lo que sabe. Esa gente lo tiene más difícil pero ha de encontrar su fortaleza igualmente y, si sus vídeos no funcionan, hacerlos más cortos.

Yo recomiendo que dejes de pensar y que te pongas a practicar de una vez. No te preocupes, nadie nació sabiendo y poca gente sube sus primeros 5-10 vídeos. ¡ÁNIMO!

4. TEMA DEFINIDO, DE INTERÉS Y QUE, ADEMÁS, TE GUSTE.

Mucha gente que trabaja en el medio, o pequeños clientes que vienen a preguntarme qué tipo de series de vídeos deberían hacer, se empeñan en tratar ciertos temas porque 'no sé quién' tiene millones de vistas y habla de eso. "Después de todo es en Inglés, nadie lo hace en español y sabemos que funciona... ¿Verdad?"

ERROR... Puedes hablar de ese tema siempre que TE APASIONE. Esa es la regla de oro, aunque de eso hablaremos más adelante.

Para compañías, en concreto, yo siempre les aconsejo que deben tener vídeos con breves formas de storytelling ingeniosas y algo de humor o compromiso para con sus usuarios. Que vayan a por el sketch o el musical, con algo que apele a nuestros sentidos. También les suelo comentar que las revisiones (contacto con youtubers) son otro aspecto a tener en mente para dar a conocer su producto de forma honesta y cercana, ya que el cliente compra por internet (no nos engañemos) y está hambriento de información, sobre todo si se la da alguien que sabe del tema y sinceramente, expresa su opinión y nos muestra todas las funciones del producto con peros y señales. Como sabéis, eso tiene un valor incalculable (Mejor que alguien hable mal de ti, a que nadie sepa si quiera tu nombre).

Pero hay algo esencial que no he mencionado, aquello a lo que prácticamente les obligo: Que realicen una serie de vídeos sobre cómo lo han hecho (sobre el proceso), con un personaje explicando. Un vídeo en el que se muestren entrevistas dinámicas de miembros del equipo con alguna clave dramática en juego. La razón está infundada en los comportamientos consumidor actual que muestran que este no está únicamente interesado en el producto. El consumidor de este siglo quiere ver cómo se hace, opiniones de otros, incluso ser parte y partícipe del proceso.

Personificación, información, entretenimiento. Eso es lo que ha de estar presente para toda marca (personal o no). Todo depende de quién seas y de qué quieras hacer. Puedes estudiar qué funciona, pero la decisión de qué tema abordar y cómo debería ser únicamente tuya. Da igual qué es lo que siempre funcione si no es aplicable a tu persona o a tu producto/servicio (hago hincapié en este tema, os sorprendería saber cuánta gente viene pidiéndome cosas que otros hacen).

Comunica la esencia de tu producto/servicio o persona en el 'todo' mismo. No hay fórmulas, hay mejores y peores opciones y, en ocasiones, piezas que cuadran sin razón, esa es la realidad. El estudio es esencial, aprender de errores de otros también, pero no vayas contra tus principios o elijas una opción temática o un tono porque 'siempre funcione', o porque el copywriting ha marcado que 'debe ser siempre así'.

VOLVIENDO A LO PRINCIPAL: QUE TE APASIONE EL TEMA.

Otro caso práctico, bueno, un ejemplo personal: A pesar de colaborar y realizar vídeos virales para otros, hace un año me decidí a abrir mi propio canal de youtube con críticas de estrenos. Me apasiona el cine (por supuesto) y pensé: ¿Por qué no? Por aquellos momentos escribía para un prestigioso blog e iba a preestrenos más o menos a menudo. Gran oportunidad, ¿verdad?

En fin, entre el tiempo que utilizaba para grabar y el esfuerzo por intentar descubrir qué le gustaría a la gente y ver cómo dar mi propia visión, me daba cuenta de que mis críticas eran demasiado técnicas, o demasiado explicativas (aunque entretenidas), pero algo no funcionaba... Ser demasiado técnico podría ser un punto fuerte, aunque, de todas formas... Algo no conectaba, faltaba algo más. No sabía qué, o tal vez no lo quería saber.

Por otra parte, el tiempo no me permitía hacer demasiadas subidas y, tras un mes y pico con ello, un sentimiento nació en mí: No me gustaba hacer críticas de cine.

Es más, no tengo personalidad de crítico de cine, soy realizadora y asesora, resuelvo problemas, creo e implemento, pero no soy crítico de cine, no me podría dedicar a ello full time. Lo que me apasiona del cine y de la televisión es el proceso, es 'hacerlo posible', es leer un guión y mejorarlo, contar una historia visualmente, no comentarla. Ese es el motor que impulsa todo lo demás y las razones por las que los acontecimientos ocurren, esa soy yo.

En resumen: No me gustaba sacar pegas o mitificar decisiones directoriales (que muchas veces nacen de errores, accidentes o trabajos de otros). Simplemente, mi visión siempre ha sido que hay múltiples formas de hacer las cosas y que, cuando realmente sabes cómo se hacen los proyectos, todos los agentes, piezas del puzzle y aspectos en juego; ves que las críticas para 'las masas', en general, no son para ti.

¿Mantengo un apartado de críticas en mi blog? Por ahora sí, porque se leen y porque, de vez en cuando, no me importa escribir una crítica si algún proyecto me ha movido a hacerlo, pero no tengo un blog de críticas de cine.

Volviendo al tema de los vídeos. Que cómo me enrrollo. ¡Sigue leyendo! ¿Cuál es la moraleja de todo esto? Varias personas me pedían que siguiese haciendo vídeos, pero decidí que no debía invertir más tiempo en ello. La torre se caería y mejor era parar en los cimientos.

Plantéate lo siguiente: ¿Vas a emplear las horas necesarias para ejecutar tu plan? Nos referimos a documentación, logística, redacción de guión/outlines (más o menos), grabación y, lo peor de toda improvisación: Editarlo.

Mejor piensa si realmente lo vas a mantener. Es un trabajo a jornada completa si haces dos o tres vídeos a la semana. Aunque publiques un vídeo al mes, la fórmula sólo funcionará si tienes multitud de vídeos más o menos periódicamente. Así que, si quieres mantener esos motores engrasados y estar constantemente creando vídeos en youtube, más vale que te guste eso de lo que hablas y te identifiques con ello al cien por cien para invertir tu tiempo en ello... Que la vida es demasiado corta.

Los subnormales tienen gran cabida en este apartado. Pueden ejecutar sin guión alguno y sin edición. Si eres actor, es tu oportunidad para hacer idioteces también. Puede que te llamen.

Diviértete, si no lo disfrutas, abandónalo o cambia de tercio, estrategia o tema... No has perdido nada todavía. Es un proceso de selección y canalización, a fin de cuentas. Mucha gente comienza con algo, y luego termina haciendo vídeos sobre otro asunto completamente diferente que está íntimamente relacionado con ese 'algo'. ¡Experimenta!

5. NO PIENSES EN QUÉ DIRÁN LOS DEMÁS Y COMENTARIOS OBSCENOS VARIOS.

Esta sociedad de los punto cero se caracteriza por la 'bipolaridad'. A pesar de haber mucha gente respetable en el medio, éste está dominado principalmente por ignorantes y trolls en activo. Las eternas máscaras de la sociedad ahora abundan más que antaño, pues se manifiestan tras un seudónimo y son un gran escudo para que muchos puedan expulsar sus miserias y pensamientos reprimidos del día a día. No dejes que los insultos de otros te afecten.

Lo cierto es que nada es puramente 'bueno' o 'malo', aunque esos son los términos en que se pueden resumir todos los mensajes y comentarios en internet (por lo menos, los que tienen más clicks).

Lo mejor y lo peor. Like/Hate.

Por desgracia, el sistema se está bipolarizando también, y nuestra misión, como comunicólogos, es tratar de incluir otros puntos de vista, otras 'formas de hacer', porque lo difícil es elaborar un análisis, no decir: Me gusta/No me gusta.

Manifiesta lo que piensas, lo que eres, lo que quieras. Hay cabida para maldecir y odiar, sí, pero siempre hay que sacar comentarios acertados de las cosas llegando a otras dimensiones. Eso te hará destacar del resto de streamers, además de promover el pensamiento junto al entretenimiento en esta nube que nos rodea. No dejes que otros te callen y sigue tu camino...

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5 CONSEJOS PARA HACER VÍDEOS DE YOUTUBE (CON UNA CALIDAD DECENTE)

La Navidad ya se acerca, el Feliz Año 2016 ya está ahí, y con él los nuevos propósitos. Quiero volver a hacer Bikram Yoga, ir al gimnasio, dejar el chocolate y el pan de lado y dar la bienvenida a las verduras más suculentas... ¡Sí señor! Gran momento para fijar objetivos, como por ejemplo, abrir ese canal de Youtube, comenzar ese nuevo viaje, ese nuevo proyecto profesional.

Comenzar con series de vídeos nos puede proporcionar una cantidad de estrés emocional considerable, por ello, aquí os he querido dar una serie de breves y humildes consejos para facilitar el proceso. Espero que os sirvan de ayuda e inspiración.

1. OPTIMIZA: TRATA DE GRABAR LOS VÍDEOS SEGUIDOS

A no ser que sea algo esencial, relativo a contenidos de actualidad, siempre trata de preparar luces para grabar varios vídeos a la vez con el mismo setup. Si quieres cámbiate de ropa, pero, a no ser que tus contenidos sean puramente de actualidad. Todo youtuber con una actividad regular y un seguimiento más o menos significativo hace eso. Graba bloques de vídeos al mes.

Optimización es clave, sobre todo teniendo en mente las horas de edición que vas a tener que invertir, por ello, recomiendo que elabores un sumario de ideas por vídeo y trata de grabar pocas tomas sobre la misma cosa. Antes de pulsar el rec, practica lo que vas a decir dos o tres veces. Créeme, parece obvio, pero mucha gente se lanza a grabar enseguida pensando que es muy fácil, cuando realmente eso a lo que estamos acostumbrados, esa calidad, se alcanza con horas de práctica, relajación de músculos y una buena edición.

Lo agradecerás a la larga pues, siempre que te aferres a un sistema, podrás ser constante y tu proyecto audiovisual saldrá a flote.

2. EL EQUIPO QUE NECESITO.

Esto es relativo. ¿Qué calidad buscas? Para tutoriales normales y corrientes, por ejemplo, no recomendaría una webcam normalita... Sé que lo hace mucha gente, pero es un símbolo de 'dejadez'. No seas rata y cómprate una cámara de enfoque automático decente, ¡hombre! Por lo menos conecta la gopro o una logitech HD. Eso sí, si utilizas una webcam, tendrás que añadir un chorro de luz reflejada (osea, no enfoques las luces directamente al sujeto).

Como norma general, cuanto menos inviertas en cámaras, peor serán el sensor y el procesador y más ruido tendrán tus imágenes tomadas en interiores.

Puedes grabar directamente desde quicktime si quieres ahorrar tiempo. Hay una gran variedad de softwares para grabar o hacer streaming (broadcast en la red y grabación simultánea), aunque recomiendo que, si tu objetivo no abarca capturas de pantalla y explicaciones puras y simples, grabes todo en cámara y luego lo importes directamente para editarlo.

Canon DSLR 1200D, 300 euros aprox.
Suficiente para calidad web

Por lo general, siempre recomiendo una DSLR (cualquier modelo de la gama semiprofesional); en trípode con un objetivo de menos de 50mm. Si tu cámara no es 'full frame', recomiendo un 20mm (los sigma me encantan, o pancakes de Canon), pues así no se te desenfocará tanto el entorno y acabarás con el efecto de un 45mm más o menos. Ahora, si tienes una panasonic Gh4, o más barata, la G7 (que tiene la misma calidad de video, en serio, tengo una yo misma), tendrás que ser más cuidadoso con los objetivos que elijas, ya que son micro 4/3 y tienes un crop factor importante... Aunque si no te quieres complicar la vida, de verdad, te recomiendo que dejes el objetivo que viene con la cámara, ya que la electrónica de este es increible y te aportará una mayor estabilidad de imagen y un autofoco sublime sin esfuerzo alguno. Esta es la cámara que uso para videos virales, personalmente, ahorro mucho tiempo y tomas fallidas.

Intenta evitar las cámaras completamente automáticas. Las DSLRs, a pesar de ser manuales, tienen opción de modo automático y hacen mejores balances de luz. Las recomiendo porque, además de su accesibilidad, son ideales para interiores y vídeos 'low cost'. Sólo tienes que mostrar un mínimo de interés y echarle práctica al asunto, ya verás como obtendrás unas imágenes bastante respetables con buenos niveles de color y luma.

¿Necesito una Canon 5D, 7D, etc...? No dispongo de tal capital.

No te apures, lo importante es mirar el sensor (no el número de MP o si es 4K), me refiero a qué dinamic range tiene, y qué margen de maniobra manual podrías alcanzar acorde con su programación y los settings; de esa forma podrás tener mayor control en la forma en que entra la luz y el color.

Un error muy común es que la gente graba directamente en h.264 HD o incluso en otros pseudo-formatos 'internet-friendly' para Youtube. Puedes optar por ello, pero es un error, ni se te ocurra. Trata de grabar siempre en RAW, al máximo 1080p, no pienses que 'quieres ahorrar espacio'. Los formatos 1080p y 720p son algo pesados para streaming dependiendo de la calidad de info que lleven pero tienes que contar con que, tras la edición, volverás a comprimir la imagen de nuevo, y luego tienes que subirlo a youtube, y eso es otro tipo de compresión añadida que acaba en mpeg-4.

Cuantos menos pasos intermedios haya mejor, así evitarás la pérdida de información y cambios en la interpretación y lectura de color y resolución.

Siguiente punto: Luces. Recomiendo tener a mano un par de LEDs, uno de cara (Key con con graduación) y otro de relleno, hay varios packs aquí adjunto unas de tungsteno. También venden stands por separado o pinzas para engancharlos donde quieras, funcionan con pilas y son muy baratos.

Fig.1 Foco LEDs de relleno y ojos en Amazon, 8 Euros.

Si te atreves a jugar un poco más, hazte con este kit de luces, cortesía de Amazon, made in China. Lo más importante es que cambies las bombillas, pues suelen venir con halógenos baratitos. Los halógenos dan un halo verdecino que raramente va acorde a la estética que buscamos, se comen el color vaya, además de hacer que la imagen 'cante a digital'.

Fig 2. Amazon también, sí, estos packs van por los 120 euros

Compra bombillas de luz blanca, leds, o si prefieres baja temperatura de color, compra las clásicas de luz amarilla. Lo importante es que no debes mezclar diferentes tipos de luz, pues también da una sensación extraña y no demasiado placentera. (En las instrucciones te pone el tipo de vataje que tolera). En todo caso, siempre podrás cambiar las bombillas tú, es lo bueno de estos productos chinos, que son fáciles de tunear.

Fig 3. Fresnels back light y key light.

Si estás que lo tiras y te has propuesto este tema en serio, o si eres un aficionado a la fotografía con algo más de conocimiento, cómprate unos cuarzos de segunda mano, unos fresnel de los 70's, que funcionan genial y siempre son una inversión. Medita sobre lo que te gusta y qué necesitas, si vas a rodar de día o de noche, y ve a por ello. Ahora, te advierto que los recambios salen caros, tenlo en cuenta.

Si te decantas por esta última opción, deberás comprar quimeras o difusores blancos frontales, o, si quieres algo más económico, reflectores blancos de foto (en Amazon también). Simplemente tendrás que posicionar las luces cuidadosamente y rebotar más la luz, pero es una opción que puede dotar de mayor estilo y calidad a tus vídeos. Una vez más, depende de qué vendas y de tu interés o presupuesto.

Para vídeos de youtube, yo siempre recomiendo algo parecido a la segunda opción, Amazon tiene productos de este estilo y son altamente asequibles.

Para todos los públicos, en general, que quieren 'probar' y no gastar mucho al principio, recomiendo LEDs (primeras imágenes), porque son lo más fácil de manejar si todavía no sabes mucho del tema.

Si tienes presupuesto y quieres algo versátil, puedes comprar paneles de LEDs. Hablamos de una luz estándar de exterior e que suele venir con una opción genérica para utilizarla en interior. En algunas hasta gradúas la temperatura de color que quieres y tienen varios modos automáticos que lucen bastante bien el color.

LEDS Pannel/ Panel de LEDs día y noche

Cambiando de tercio, cómprate un trípode, o mejor aún, un monopié con una buena cabeza manfrotto. Las DSLRs no pesan demasiado y los monopies las aguantan muy bien. Si quieres algo más versátil que un trípode, esta es tu oportunidad de hacerte con uno.

Copia Coreana de Monopié de Manfrotto. Rondan los 150 Euros.

Fondos: Si no tienes una habitación muy interesante o atractiva, añade un fondo o rellena la pantalla de alguna forma. En Amazon (lo sé, uno de mis portales favoritos), venden stands con fondos de color negro, blanco y croma verde. Si no te gustan, siempre puedes hacer uno tú mismo o comprar uno que vaya más con tu estética.

Cortesía de Amazon. Backdrops y set de luces Cowboy Studio.

3. SONIDO: ¡IMPORTANTE!

Para vídeos virales, con un micro RODE mini te vale, aunque recomiendo el Pro (la diferencia se nota bastante). Hazte con uno y móntalo en la zapata de tu cámara. Muchos utilizan RODES por su accesibilidad (se pueden adquirir en la mayoría de tiendas de vídeo) y porque, realmente, son infinitamente conocidos y versátiles para cualquier principiante. A mi me apasiona la marca Audio-Technica (sube un poco el precio, pero es más asequible por la calidad que te llevas a casa). Los Sennheiser tienen algunos de esta gama (2oo euros aprox) pero, honestamente, creo que están sobrevalorados y que las partes de estos micros de baja gama son más modestas que las de los Audio-Technica. Siempre puedes tirar de los de corbata de AT, que son bastante precisos.

Hazte con el que quieras, puedes conectarlo directamente a la cámara o al ordenador, dependiendo de lo que vayas a hacer.

Siempre recomiendo la ZOOM 4Hn. A pesar de ser un modelo que cuenta con cinco años en el mercado a sus espaldas, no ha sido superado por otras grabadoras de la gama destinadas a videógrafos independientes. La 4Hn tiene multitud de usos, se puede conectar a cualquier aparato y cuenta con dos canales XLR de entrada. Aunque, si tu presupuesto es modesto, puedes hacerte con ella y tenerla como único recurso de grabación de sonido. Realmente, es un producto estrella e indispensable en todo equipo.

Si vas a grabar directamente desde el ordenador, puedes utilizarla también y capturar el sonido con Quicktime o Audacity (gratuitos); o el que suelo utilizar yo, Adobe Audition.

Los pasos de grabación y edición de sonido son sumamente esenciales en vídeo. La calidad de la imagen es una cosa y el soportar y comprender lo que la otra persona dice es otra. No hay vídeo cacofónico que sea visto, no lo hay, pero sí hay contenidos de planos y colores nefastos que son 'tolerados' porque tienen un mix medianamente pasable.

No te quiero agobiar, no necesitas calidad de broadcast, especialmente porque las audiencias consumen contenidos en smartphones o en portátiles con unas salidas de audio que dejan mucho que desear, pero has de tener un micro medianamente decente y unidireccional. No grabes directamente de la cámara, por mucho que esté preparada para ello.

Para terminar, es recomendable estudies y practiques con algún ingeniero de sonido. Con que te enseñen trucos para mejorar el sonido de tus primeros vídeos basta, pues me imagino que ya empezarás a grabar de la misma forma, con el mismo micro y en la misma localización todos los demás. De esta forma, podrás aplicar, en mayor o menor medida, los mismos arreglos una y otra vez.

A pesar de todo, si cuentas con un micro de calidad o con la 4Hn y una habitación bien cerrada, no deberías tener problema, y es que es probable que sólo tengas que hacer fades y no llegues a tocar el resto.

En caso de arreglos minúsculos, también puedes utilizar los pluggins que vienen con tu software de edición. No son un milagro, pero limpian y depuran lo suficiente para voz en off y locución. Así que, aprende a comprimir el sonido y los efectos que se aplican al ecualizar, aunque no lo utilices demasiado. No hay que ser un mixer profesional, pero debes conocer mínimamente tus herramientas.

No te olvides del sonido... Y no subas los niveles demasiado, es un error que mucha gente proveniente del mundo del vídeo suele cometer. Más alto no es mejor, o más claro, sino todo lo contrario.

4. EDICIÓN: LA TORTURA.

Sobre gustos, colores. Hay gente que detesta el Final Cut ProX, yo era una de estas personas, hasta que me tocó utilizarlo para un proyecto. No es 'ideal' para cine o televisión, pero sí que es muy conveniente para entregar piezas rápidamente editadas con rótulos, si eres periodista, o para editar rápidamente vídeos de youtube. FCPX es infinitamente intuitivo, y si bien muchos detestan el timeline magnético, otros lo encuentran altamente eficiente a la hora de desechar información (Media Composer hace algo parecido en este aspecto y, a pesar de la complejidad de su sistema, nadie tiene nada que objetar).

FCPX ofrece una amplia gama de efectos que, aplicados con settings modestos, pueden pasar por decentes. Por otra parte, el 3 way color correction es rápido de manejar y, a pesar de no hacer virguerías, salva el día. El problema de FCPX: El sonido.

Con FCPX, si vas a tratar el sonido en otro programa por separado lo tienes claro, pues los documentos XML exportados estarán ya cortados sin el resto de metadata y no podrás editarlos a tu gusto en Audition o Protools... Pero no me ando por las ramas. Final Cut Pro X es ideal para editar tanto el sonido como la imagen y obtener calidad de streamer (vuelvo a reiterar, no es lo mejor para metrajes de ficción o calidad broadcast de audio-video).

Sony Vegas: Mucha gente habla de él, personalmente no me emociona, aunque es cierto que todavía no me 'ha tocado' ningún proyecto con éste. Por lo que he experimentado, jugando un poco con él, y lo que he leído, tiene multitud de efectos y tipos de rótulos, además de soportar prácticamente todos los formatos HD. Los contras son que no es precisamente intuitivo, que tiene un lenguaje modular y que el interface es bastante 'cutre'. No es un placer trabajar con él vaya, pero si tienes acceso al programa, no te lo pienses.

Premiere (Adobe), el mejor programa con FCPX para editar de forma rápida y sencilla pasando el nivel de 'aficionado', con miles de opciones, efectos y demás. Me encanta la forma en que hace renders y la compatibilidad con todos los documentos creados con el pack de Adobe. Este es, sin duda, mi producto estrella. Además, es ideal para trabajar en equipo y guardar cambios automáticamente en todas las versiones de todos los documentos relacionados.

Vamos con el Media Composer (Avid). No creo que tengas presupuesto, además de paciencia. No es recomendable para streaming, dejemos que las cadenas de televisión lo sigan utilizando porque 'es la costumbre'. Por cierto, la compañía está quebrando y nadie está interesado en comprarla por el débito tan abismal que acarrea... Así que, si estás abriendo una pequeña productora audiovisual no te lances a por el paquete de Avid porque es así como 'trabajan los profesionales', piénsalo dos veces.

Yo te invito a que inviertas porque sólo cuando pagas eres capaz de valorar y ejecutar tus proyectos de verdad, pero ¿No tienes presupuesto o simplemente no te quieres complicar la vida demasiado al principio? No te preocupes, hay otros programas gratuitos como Cinelerra o Movie Magic que, para bustos parlantes, funcionan igualmente. Como digo siempre, depende de lo que quieras hacer.

Por último: Cabeceras editables, imágenes de archivo y música. No pidas a un amigo que lo haga, a no ser que se dedique a eso. Hay opciones en internet, lugares donde puedes comprar efectos, vídeo y sonido como Shutterstock, Motion Elements o Pon5 (por nombrar unos pocos). Yo recomiendo que compres material o que contrates a alguien apriori que diseñe todo por ti. Créeme, lo que estás contratando no es un vídeo o una BSO completa, te va a salir a un precio asequible. Es tu imagen, tu inversión, aunque he de comentar que, recomiendo que empieces por la primera opción y, una vez vayas sabiendo cuáles son tus puntos fuertes, veas qué funciona y moldees tus vídeos, ya puedes contratar a alguien que te haga los diseños y plantillas para rótulos (a veces, simplemente, no sabemos lo que queremos hasta que ya tenemos las manos bien sucias).

Formato (IMPORTANTE): Súbelo a h264 (o mejor a x264) con una modulación manual de los Mb/s. Si el vídeo está a 1080p, tiene pocos efectos y dura 7 minutos, puedes fijarlo entre 4000 y 6000 Mb/s, tal vez algo más, haz pruebas... Siempre marca la calidad como 'Best' (intenta no cambiar aspect ratio y no toques el frame rate).

Para youtube, sobre todo si eres un talking head, recomiendo que lo bajes a 720p, de esta forma se reproducirá de una forma más fluida y tendrás una mayor cobertura en la red.

Esto lo puedes hacer desde adobe Premiere, Media Composer, o utilizando Converter o Compressor. Dependiendo del software de edición, no suelo recomendar que se exporte directamente la timeline comprimida. Si edito en Premiere o en FCP, siempre exporto con la mayor calidad el archivo y luego lo codifico a x.264 desde un software específico para poder manipular los settings a mi agrado.

En el peor de los casos, si no tienes presupuesto, exporta desde Movie Magic (o el software gratuito que tengas) en 'Proress' o en 'Source Image' y cambia el formato en 'Toast Titanium', que es también público y tiene mayor cantidad de opciones.

5. CALENDARIOS: OBJETIVOS Y SEGUIMIENTO

No es fácil ser constante en algo que no reporta beneficios instantáneamente. Todos tenemos que vivir, pagar el pan, ir a trabajar, estar con los seres queridos... 

Es comprensible, aunque deberás dejar estas ideas a un lado por un segundo y plantearte un calendario viable. No importa la periodicidad, pero ha siempre ha de existir una. ¿Cuántos vídeos quieres o puedes realizar y cuál es tu objetivo principal? ¿Puedes llegar a él únicamente por esta vía?

¿Qué tipo de personalidad tienes? Si eres un jugador de videojuegos profesional, un artista o un pedagogo, tal vez te interese más hacer streamings una vez a la semana en "Hangouts" y subirlo directamente a youtube una vez finalizado el evento virtual, o utilizar Twitch.

¿Puedes grabar 20 vídeos de golpe y subir uno a la semana? Esta alternativa suele ser ideal para comenzar con un canal, posteriormente hay que interactuar con las audiencias que piden otros temas o, inconscientemente, dan ideas.

Recuerda que hay que mantener una calidad base y un contenido interesante, pero también, por desgracia, en internet el factor 'cantidad' es casi más importante (me he atrevido a decirlo, es cierto). Debes ser capaz de mantenerlo o la gente se olvidará de ti.

Si tiendes a cuidar el estilo y muestras vídeos de calidad visual, así como entrevistas u otros contenidos de mayor elaboración, cuenta con preproducción y postproducción. Cuenta cuánto tiempo tardas por vídeo o bloque. A veces es mejor construir tu seguimiento en dos o tres años con un vídeo de presupuesto respetable al mes, aunque siempre recomiendo tener varios planes de video-marketing si este es tu caso.

En todo caso, 'El Seguimiento' es tu trabajo; seguimiento en la investigación, de comentarios y respuestas, de subida periódica de vídeos. Debes tener un calendario de subida, porque realmente hay gente que sigue y espera el siguiente vídeo todos los Martes por la tarde. Sin esto y una consistencia en temas a tratar, el plan nunca funcionará.

¡Ánimo y AL TURRÓN!


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ALGUNOS CONSEJOS PARA HACER BUEN USO DE LAS REDES SOCIALES (ENG)

Eres un periodista visual, un cineasta independiente, un fotógrafo, un novelista o diseñador gráfico, músico... Cualquiera que sea tu campo creativo, ¿crees que utilizas tus herramientas digitales de la forma más efectiva y eficiente posible?

Hemos encontrado esta entrevista y nos gustaría compartirla con todos vosotros. Prestad atención porque, a pesar de ser más 'aplicable' a la gente en el sector audiovisual, también trata ciertos puntos universales a la hora de establecer relaciones y seguimientos online de una forma honesta y atractiva.

Richard RB Botto es el fundador CEO de Stage 32, una especie de Facebook para personas que trabajan activamente en el mundo del cine, la televisión y, en definitiva, de la narrativa audiovisual en general (ficción y no-ficción).

Este hombre ha sido un punto de referencia clave y ha servido de inspiración para otros muchos. Comenzó con su plataforma en 2011. Stage 32 ganó adeptos pero no fue de la noche a la mañana, precisamente. La idea: un sistema intuitivo, visual y sencillo para poner en contacto a profesionales del medio de todas partes del mundo y, además, crear foros de discusión sobre trabajo y metodologías utilizadas.

Stage 32 fue una start-up en toda regla que comenzó su camino a base de emails a productores, directores y escritores recomendándoles ser parte de este magnífico FB de nuestro medio.

La gente se reía de estos tíos de Arizona en Los Angeles, no les daban ni dos telediarios, pensaban que eran unos 'románticos' sin un modelo de negocio viable y que su servicio no aportaba ningún beneficio, que era como una ONG 'chapada a la antigua' para miserables sin valía y en paro. Ahora mírales, ciertamente supieron cómo jugar sus bazas.

Richard RB Botto no es tan sólo un soñador, es un brillante marketing man, un hombre que, mientras creaba Stage 32, se dedicaba a sacar empresas de la estacada y, sobre todo, a promover y desarrollar revistas como Razor (revista de arte y cultura americana); o a producir pequeñas películas y obras de teatro. Ahí empezó todo, ahora da charlas gratuitas para ayudar a artistas a autopromocionarse en internet y no para de sacar proyectos a flote.

El vídeo está en inglés, sentimos no tener subtítulos disponibles. ¡Que lo disfrutéis!

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LAS 13 REGLAS DE ORO PARA REALIZAR UN DOCUMENTAL (POR MICHAEL MOORE)

Muchos le aborrecen, otros hasta le odian y, frente a ellos, miles de individuos admiran a esta personalidad del género reality-documental. 

Nos referimos a Michael Moore, un hombre que ha sudado sangre y ha sido apresado por la policía unas cuantas veces, con tal de conseguir el documental perfecto, el documental más cercano al suceso acontecido (aunque todo es relativo, por supuesto).

Nadie mejor que este maestro del cine documental para dar 13 claves, 13 mandamientos a seguir para liberar la mente y perseguir ese objeto de todo contador de historias: enganchar a las audiencias y hacer que se sientan 'comprometidas' con el tema en cuestión.



1. La norma principal de 'El Club de la Lucha' es: 'No se habla del Club de la Lucha'. 

Esto es lo primero que se te tiene que meter en la cabeza: no estás haciendo un documental, y no hables de ello, ni imagines, simplemente ponte en acción y emprende el proceso. No se habla del Club de la Lucha. No hay documentalistas, ese término no existe en el diccionario. El que hace un documental, ante todo, está haciendo una película, contando una historia captando hechos reales. Nunca vayas con la mentalidad de hacer un documental. Somos cineastas digitales, estamos mostrando una historia en imágenes durante hora y media- dos horas. Nada más.  

2. No me hables de 'mierdas que ya sé'. No me cuentes lo que sé. 

Hay mucha gente a la que no le gusta pensar, otros con muy poco cerebro, pero también hay otro 50% a los que sí les va a interesar y tienen lo que hay que tener. Este otro 50% de la población se documenta ya, o lee artículos sobre el tema de vez en cuando. No les subestimes. Puedes introducir información que se sabe ya en ciertas afirmaciones siempre que sea un mero complemento, no expliques lo que una persona suficientemente culta sabe ya.

3. El documental moderno ha mutado en una 'clase', una 'lección académica', un 'estándar narrativo'.

No narres como te han enseñado en tu escuela de cine, o como lo hacen los académicos de otras disciplinas, no hagas lo que hace todo el mundo en el laboratorio, que prueban cosas que ya alguien probó y funcionan. Provoca situaciones nuevas y explora otras formas de expresión.

4. La mayoría de los documentales parecen 'medicinas de demagogia popular barata' y apelan a lo mismo.

No hagas documentales para que la gente se sienta aliviada, ni lo contrario, asustar a la gente y luego dar tu respuesta y tu punto de vista. No des lecciones sobre un polo u otro, sobre tus ideas. Simplemente cuenta tu historia, expón el problema y cuenta historias, pues los que se están gastando dinero en ver tu metraje no quieren que les comas la cabeza o les des una lección. Quieren poder tener sexo probablemente después de ver tu documental (Michael Moore es claramente un cachondo mental).

5. Diversión ante todo.

Esto es, en primer lugar, un producto para entretener a los espectadores y moverles a hacer algo más. La diversión es necesaria, es un arma para aliviar el dolor del tema tratado por tu película y una de las pocas herramientas a utilizar para que la información que muestras se grabe en las memorias y corazones del espectador.
El humor es esencial, de otra forma tendrás lo que tienen el resto de documentalistas pretenciosos: dos horas de información con arraigados puntos de vista, estructura predecible y, sobre todo, aburrimiento y ausencia de acción.

6. Hay que encontrar y atacar a los verdaderos villanos. Sé específico. 

Ataca a lo peor que haya. Atrévete a contactar con compañías específicas y organizaciones, menciónalas en tu documental y, si consigues entrevistas con ellos, sé honesto, no te cortes con las preguntas. Averigua la verdad sobre qué es eso que hacen.

7. Haz tus películas siempre con tu toque personal. 

Al final, tus películas tienen que ser una prolongación tuya, un reflejo. Tómate tu proyecto como algo personal y pon siempre tu firma, eso te va a distinguir y hará que la gente se enamore de la esencia de tu documental, que es la tuya misma.

8. Apunta tus cámaras a las cámaras más que al supuesto sujeto o al 'objetivo del día'. 

Es muy importante entrevistar a individuos, y seguir los puntos trazados, aunque esto no es una ciencia exacta y, normalmente, lo más interesante ocurre fuera del campo de visión de la cámara principal. El auténtico asunto se palpa en la forma en que tratan a tu operador de cámara, entre bastidores, cuando se aseguran de que la cámara no está grabando. Recuerda, eso también es historia. Toda historia es conflicto, sin conflicto no hay historia.

9. La televisión y la literatura pilotan el género de 'no-ficción'... Pero ¿por qué los documentales no?

La gente ve Gran Hermano, cualquier reality show de cocina, canto, etc. ¿Por qué? La respuesta es que quieren divertirse y obtener una dosis de información y realidad al mismo tiempo.
No nos metemos a juzgar ese tipo de contenidos, pues la mayoría dejan mucho que desear, mas hay que tener en cuenta que la verdad es que esos medios saben cómo atraer a las masas. Simplemente tenemos que concienciarnos, observar y aprender más sobre los procedimientos que utilizan.
La gente dice: me voy a leer este libro, voy a ver tal programa, pero no me lleves a ver el documental, por favor... Simplemente, aunque el contenido y la idea es interesante, el producto es aburrido, perfecto para la siesta vamos.

10. Cuanto más puedas, graba a todo el que esté en desacuerdo contigo, y cuanto más extremo sea todo, mejor. 

No tengas pelos en la lengua, no te cortes, no tengas miedo. Trata de ser el abogado del diablo en todo momento, porque en toda verdad hay contradicción y las contradicciones son la mejor forma de explorar temas, además de buscar conflicto. Necesitamos conflicto.

11. Plantéate si lo que estás grabando te está cabreando profundamente, si lo que ves te está indignando... En caso de ser así, estás en buen camino.

No necesita mucha explicación, pero hay que fiarse del instinto propio. Hay que ver si realmente tu película va a crear una opinión o una sensación de indignación y llama a la acción. Ese es el propósito de un buen documental: Enfadar a la gente y meter el dedo en la llaga, aunque siempre apelando soluciones y posibilidades. No te tienes que ver como un 'descubridor' o un 'guía con información privilegiada', te tienes que ver a ti mismo como un portavoz más: hablando por la audiencia y aguantando con todos ellos al pie del cañón.

12. No es nueva: Menos es más.

Corta, corta, recorta y edita. Corta mucho, cuanto más breve, mejor.

13. Finalmente, aunque el orden de los factores no altera el producto: El sonido es mucho más importante que la imagen.

Para empezar, sin una muy buena banda de sonido, el espectador se va a sentir incómodo. Da igual si la foto está mal, si no hay luz, si hay grano, si el cámara corre. Lo que importa es que la gente pueda seguir tu historia. Así, el sonido es la clave, y es difícil de conseguir debido a la incertidumbre de tu proyecto y el día a día en exteriores, pero no desistas. Contrata a un buen profesional para tomarlo bien en la localización.

En segundo lugar, si escatimas en grabación de sonido y mix, probablemente tu proyecto de laborioso trabajo no encontrará distribución de calidad, y eso es algo que tampoco te interesa. Elaborar documentales se traduce en años de trabajo, favores, lucha y esfuerzo, con lo cual, querrás recuperar esa inversión en la medida de lo posible.

Estos son los consejos de Michael Moore con retoques y matices propios. Esperamos que haya sido de utilidad. Ahora: ¡A rodar!

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ALEXA MINI: LA NUEVA APUESTA DE ARRI PARA COMPETIR CON EL MERCADO DSLR

Increíbles noticias: Alexa Mini estará disponible para todos los públicos desde el 1 de Mayo.

Con todos los encargos realizados desde Marzo por los que estaban en la base de datos prioritaria de Arri, la venta de la nueva mini cámara se podrá realizar a partir del mes que viene.

A primera vista, puede parecer que esta cámara no es digna de competir con la nueva Red Weapon (pues, entre otras cualidades, tiene unas Kaes menos), Alexa Mini hace incapié en lo que es su punto fuerte principal: la emulación de imágenes digitales delicadas, con más paleta de colores y cercanas, dentro de lo que cabe, a la atmósfera y textura del celuloide.

Exacto, las Kaes tienen sus usos dependiendo del proyecto y hay otros aspectos a considerar en primer lugar.

Cada cámara tiene un uso. Ante las nuevas Black Magic, las opciones de Canon Cs, las Red, y otros modelos de compañías osadas que se lanzan al mercado; Alexa ofrece 4K (con extensiones) y, inicialmente graba a 2.5K en Proress 16:9 con la capacidad de correr hasta 200 fotogramas por segundo.

El sensor es exactamente el mismo que el de sus hermanas mayores (con retoques en la programación que puedes ampliar), con lo cual, es siempre un placer llevarse un 'camarón' por un precio mucho más asequible. En este caso, es cierto eso de que la esencia más pura va en frasco pequeño.

Una mayor versatilidad y rapidez de captura es posible a una calidad superior, superando a otras como las Phantom Minis (de mayor precio y no demasiada diferencia).

Entre otros aspectos, ofrece un visor (adicional) 360. ¿El cuerpo? Exactamente como el de la Red Dragon, fibra de carbono, aunque con 300 gramos menos.

Los precios de la Alexa Mini parten desde los 32,500 dólares, posteriormente hay posibilidad de hacer updates de formatos y prestaciones que van por los 2,900 dólares cada uno.

Pincha aquí para leer las especificaciones técnicas.





Este es un vídeo de presentación del producto en la convención BVE.

Aquí podréis ver imágenes rodadas para el vídeo promocional de Alexa Mini. Espectaculares.

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'RED WEAPON': POR FIN RED ANUNCIA SU PEDAZO DE ARMA DE 8K

RED declara la guerra a Arri Alexa, y esto es sólo el principio.

Las cámaras RED son como las migrañas, están siempre causando dolor de cabeza y dificultan tu trabajo, aunque cuando desaparecen, las echamos en falta... parece que no podemos vivir sin ellas.
Las RED se sobrecargan y calientan, ciertamente tienen sus defectos, pero fue la primera cámara de cine digital 'económica' en el mercado.

Ahora, ante todos los adeptos Alexianos, RED a conseguido integrar 8K, una mejor calidad de imágen y textura, además de prometer la eficiencia en el motor y la ventilación del aparato.

La tiene dos versiones, RED WEAPON 6K y 8K, están de oferta ahora mismo con motivo de la expo NAB, así que esta es la ocasión de hacerse con ella por sólo 50,000 dólares.

Posteriormente, el cuerpo grabando a 6K se venderá a 70,000 dólares, con una opción de 20,000 más para hacer el upgrade de la versión a 8K Vista Vision.

Por otra parte, hay una variante, no sólo la fabrican en fibra de carbono, también la tienen de magnesio a 34,500 dólares. Esta opción es la más asequible para los cineastas digitales y, probablemente, la que irrumpa en el mercado con mayor fuerza.

Características del modelo básico:

WEAPON 6K CARBON FIBER- $49,500 (Oferta Especial)

- R3D Simultáneo y Apple Prores recording in-camera.

- Grabaciones R3D y versiones a escala del mismo bruto en ProRes. Por ejemplo 6K master y 2K ProRes hasta to 120fps.

- Archivos grabados simultáneamente en el mismo medio y plataforma.

- Consitencia en nombres y precisión interna de líneas de tiempo (facilita más el proceso que uno o varios dispositivos externos).

- Apple ProRes 444XQ, 444, 422HQ, 422 o 422LT.

- Streaming ProRes automático – El ProRes grabado en se puede grabar y mandar (simultáneamente y automáticamente) via Ethernet, mientras que a su vez el master R3D se almacena en la base de datos.

- 33x33x33 3D LUTs.

- Transferencia de datos más rápida, de entrada, salida y comunicación interna. 50% más rápida, sobre todo de conexiones con la tarjeta. Opción de adquirir la RED MINI-MAG 512GB card, tarjetas especializadas que aceleran aún más el proceso.

- Puertos de monitores duales en el cerebro (Brain) para EVF/LCDs.

- Calibración de sensor automática. Selección de exposición y stops de 1/8000s to 1/8s sin calibración manual. Banda ancha para resolución de problemas de temperatura del sensor.

- Mejor aguante de temperaturas extremas, ventilador más silencioso sin ventiladores frontales. 

- Top-plate integrada.

- Wireless control connectivity integrado.

- I/O intercambiable y optiones reemplazos de puertos.

- OLPFs intercambiable con detección de cual exactamente funciona y está instalado.

- Monitor flip y espejo de todas las salidas de imágen, incluyendo SDI.

- Micrófonos duales integrados en la parte frontal.

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DIEZ PUNTOS IMPRESCINDIBLES EN TODO RODAJE DE CERO PRESUPUESTO (PARTE 1)

Como no alimentes a la gente debidamente, lo pagarás bien caro.

1. Elabora el calendario de producción para que los rodajes tengan lugar los fines de semana.

Hay muchos motivos, aunque los principales son: primero, que el equipo, los actores y técnicos estarán disponibles; en segundo lugar, que los alquileres te saldrán más rentables, pues pagarás únicamente por un día de alquiler. En último lugar, al utilizar escenarios naturales, tendrás menos probabilidades de tener ruido y el sonido es el 50% de tu película.

2. Prepárate, anticípate, porque todo va a salir del revés. 

Los actores van a llegar tarde, el equipo va a trabajar más despacio de lo habitual y vas a tener más problemas y preocupaciones que en un rodaje de medio o bajo presupuesto. Que no te sorprenda, no te bloquees y actúa. La forma en que reacciones va a ser esencial en el desarrollo de tu proyecto y determinará si esos que han pujado por tu idea, se quedan hasta el final y confían en tu criterio.

3. Usa un software decente para tu producción. 

Hay cientos de programas, unos mejores que otros. Si quieres hacerlo gratis, utiliza Celtx o ShotLister, pero nunca está demás el gastarse un poco más (pues se supone que no es tu primer corto, ni lo será) y comprar el Movie Magic Budgeting and Scheduling, o el Gorila.

Mi recomendación: hazte con el paquete de Adobe, realmente es lo más profesional y completo que he utilizado por un módico precio, pero claro, es una herramienta de trabajo a pagar al mes. Si eres aficionado y quieres emprender este viaje de forma gratuita, las primeras dos opciones son suficientes.


4. Haz el calendario de rodaje acorde a la disponibilidad de actores y localizaciones. 

Insisto en este punto, pues mucha gente lo hace teniendo demasiadas cosas en cuenta. Eso sólo es posible cuando estás en un rodaje de presupuesto mínimo y, a pesar de todo, se tiene como referencia a los actores y localizaciones primero. Si no estás pagando a los actores, vas a tener que hacer todo lo que esté en tu mano para que no se te vayan... porque tienen un talento especial para eso, normalmente.


5. Explora tus localizaciones con tiempo para escribir el guión en base a los recursos reales de los que vas a disponer. 

Obviamente, al no disponer de un presupuesto, deberemos crear historias con lo que sabemos que vamos a tener.

Por otra parte, no cambies demasiado de localización, todo movimiento de equipos significa tiempo, esfuerzo mental y dinero. Intenta rodar tres escenas diferentes en una localización específica, por ejemplo, en una misma casa puedes recrear los pasillos de un hospital, un diálogo en la terraza y otro en el baño. Si te dejan un restaurante, utiliza todas sus partes para adecuar las diferentes escenas y que cada parte parezca un set diferente. En resumidas cuentas: sé eficiente y creativo con los espacios que tienes y pide consejo a tu Director de Arte (o Set Designer) constantemente.



6. Gasta sólo dinero líquido. 

No tires de tarjetas de crédito, no pidas préstamos, alquila, no compres... y si has de comprar, queda mal decir esto, pero, al terminar el rodaje, si no se ha deteriorado, devuélvelo.

7. Utiliza más tiendas como Ebay, Amazon, segunda mano, y tiendas con descuentos especiales.

No tires el dinero con cambios de vestuario o atrezzo (props), usa lo que encuentres. Crea un grupo en Facebook y pregunta a todos los miembros qué props y objetos de la lista tienen. Conviértelo un proyecto comunitario en sí mismo.

Si, por otra parte, quieres seguir produciendo contenidos, y si no alquilas y vas a usar una DSLR, yo siempre recomiendo comprar gear. Compra luces LEDS con quimeras y difusores, un slider largo o incluso raíles en Amazon. No hay problema siempre y cuando tengas una buena cabeza manfrotto (por lo menos) para el trípode y buenos objetivos, en eso sí que tendrás que gastar.

8. La comida, la gasolina y las localizaciones serán el mayor gasto que tendrás, hazlo bien o pierdes a tu equipo.

Hay mucho que se hace llamar 'cineasta independiente', que alquila equipos respetables, graba en Reds y no paga ni la gasolina del personal. Eso no se puede hacer. Hay que pagar a todos un salario, pero si vas a hacer un corto de cero presupuesto, por lo menos llama a tus amigos o gente que lo hará por placer contigo, no llames a profesionales que no conozcas y les ofrezcas la 'posibilidad de hacer dinero en festivales' a cambio... y les dejes hasta sin dinero para desplazamientos.
Está claro, llama a colegas si no estás en el negocio, pero si estás en el, tus contactos de trabajo, muchas veces, son amigos también. Ellos te ayudarán trabajando gratis, pero como algo esporádico y como un favor que se devolverá o que ya se debía.
Respecto a las dietas, no pido que compres solomillo, pero no tengas un plan de diez días a pasta, arroz y pizza. Hay que tener un plato combinado de menú (no muy denso, ni muy ligero), además de agua, cafeína, fruta y frutos secos constantemente.
Si no haces esto, tu equipo no aguantará el ritmo y el ambiente se calderá. En definitiva: Se'cagarán en tus muertos' (con perdón).


9. Guarda todos los recibos y ten organizados todos los gastos. 

Los problemas surgirán y tendrás muchos imprevistos que solucionar a base de sacar la cartera. Hazlo siempre, bien para reportarlo y ponerlo bajo el nombre de tu empresa, bien por precaución o para examinar los gastos. No le hace daño a nadie el ser organizado y tener una carpeta con todo.

10. No invites a mirones, sí, los llamaré así, aunque además sean amigos.

Mucha gente tiende a pensar que, como es gratis, pues se pueden pasar a mirar, o a 'ayudar'. Nunca lo permitas. En primer lugar, se ceban la comida, luego no paran de hablar y distraer a los actores y otros miembros a la espera (vestuario, maquillaje, etc.) De esta forma, esos pocos que están haciendo el trabajo de los 'puestos constantemente eficientes' se queman porque todo va a ir más despacio de lo normal. Sí, la gente invitada no calla, porque para rodar hay que tener un mínimo de disciplina, aunque sea un vídeo de tu abuela.

Sí, todo esto, normalmente, no es muy profesional y, sobre todo, todo aficionado o estudiante lo hace. En cualquier caso, si es un favor para rodar un tráiler para un largo que tienes escrito o un corto para el vecindario... la gente tiene un tiempo limitado para ti, así que no invites a gente para que 'todo el mundo se lo pase bien', porque al final son un estorbo para los pocos que trabajan.

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CONCEPTOS Y EVOLUCIÓN DEL MONTAJE AUDIOVISUAL EN 8 MINUTOS (ENG)

Aquí os dejamos un vídeo que resume algunos conceptos del mundo del montaje y su procedencia en ocho minutos. Idóneo para todo el que se quiera iniciar en este campo, o por lo menos para aprender inglés. ¡Que lo disfrutéis!

Lev Kuleshov y su alumno Vsevolod Pudovkin

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CONCEPTOS BÁSICOS SOBRE OBJETIVOS Y SUS USOS. (Eng)

Un vídeo de iniciación en lo que a objetivos se refiere, efectos y funcionamiento. Sí, este está en inglés, pero vale la pena.

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